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原文名为Emerging Crossover: Fashion as Fine Art，载于美国《大众摄影(PopPhoto)》杂志网站。译文略有删节。 在1955年去世之前，美国著名摄影师乔治·普莱特·莱尼斯(George Platt Lynes)销毁了自己不计其数的底片和照片，他担忧的是如果这些作品一旦成为遗作流入公众手中，很有可能给自己带来恶名。尽管莱尼斯所拍摄的名人肖像以及芭蕾舞演员为他获得了国际性的声誉，但是他深信美术史上必然不会对他的男性人体摄影以及时尚摄影假以什么好言辞的。 时尚摄影在那个年代尚不为美术界所容，布莱恩·保罗·克莱普(Brain Paul Clamp)这样说道，他是纽约著名摄影画廊克莱普艺术画廊(ClampArt)的拥有者。“如果你是一位商业摄影师，那么你和艺术作品代理商之间就有得好瞧的了，”克莱普解释道。“如果你真的想作品在什么画廊展出，那么你最好别让他们知道你还干着商业摄影这档子事情。” 不过这一状况在近来已经不再多见了，特别对于在流行与纯艺的共同影响下成长起来的年轻一代摄影师就更是如此。“年轻摄影师对这一分歧毫不介意，”克莱普如是说。 现在的时尚摄影与艺术摄影已呈相辅相成之势，事实上越来越多的画廊展示出的作品正是时尚摄影作品。由纽约视觉艺术学院(School of Visual Arts)外联负责人丹·哈姆(Dan Halm)策划的“点击时尚(Click Chic)”摄影展便是一个绝佳的例子。展览展出了六位毕业生的作品，他们将时尚摄影作为一种手段来进行影像实验与社会评论，这一影展从多个方面展示了一种新的摄影流派——尽管它并不特别受画廊重视。 “如果你跳出杂志印刷精美的页面来看这些(摄影师)，你会发现他们与那些艺术摄影师们受过受过同样的正规教育，也有着相同的艺术修养，”哈姆说道。在他看来，时尚摄影与艺术摄影之间界限的消失正预兆着时尚摄影的一个黄金年代的到来。 哈姆和克莱普认为，当下冲破传统思维模式的时尚摄影大潮植根于上世纪八十年代，“八十年代，广告界发生了巨大的变化，”克莱普说道。“广告不再是推销产品，而是开始推销理念。”这一转变可以在“时尚”广告中明显的看到直接表现服装的影像在慢慢减少或者消失。以为《尼龙(Nylon，一本定位年轻人的时尚杂志)》以及一些采访拍摄作品的摄影师盖·阿罗彻(Guy Aroch)为例，他的作品往往就只表现模特的头部或者嘴唇。哈姆同时还认为那些敏感大众也在时尚摄影的变革之中起到了推波助澜的作用。“我们的文化正在对时尚更为敏感，”他说。“我们更加关注时尚了。不然你认为“安娜·温图尔(Anna Wintour，美国版《Vogue》杂志主编)怎么会一夜之间妇孺皆知的。” 不过当八、九十年代被委以时尚摄影的复兴起源之时，那些年轻摄影师(以及他们的伯乐们)则相信江湖已经不是那个崇尚肤浅影像的江湖了。莎拉·西维尔(Sarah Silver)，一位入选点击时尚摄影展的31岁的摄影师认为在二十世纪八十年代，至少还有摄影师能够通过拍摄“不知所云的漂亮画片”来混个不错的收入。不过在当今媒体主导的市场上，这一手再也行不通了——就算是拍个产品图片，要求也比这高得多。反之，不管是混成什么样子的摄影师都会被要求拿出自己的东西来，拿出有说服力的图片出来，不管是说些什么东西。“拍摄漂亮的图片很容易，”西维尔说。“不过想要出名，你必须拿出独一无二的东西出来。” 这些年轻的摄影师所扮演的角色越来越多，仿效着他们之前那些在商业与艺术领域均获得成功的摄影师们。拍时尚起家大卫·拉夏贝尔(David LaChapelle)开始拍起名人肖像，并且最近在托尼·沙弗拉兹(Tony Shafrazi)画廊举办了摄影展；以拍摄充满情欲诱惑的摄影作品起家的玛丽莲·敏特(Marilyn Minter)最近为Tom Ford拍摄了新的广告。 不过哈姆认为那些对于时尚摄影的传统偏见依旧会在某些人身上延续。少部分艺术摄影师依旧会认为时尚摄影是一个纸醉金迷的圈子，选择远离时尚摄影的江湖。不过这并不会影响像西维尔这样的摄影师们。“很可能有很多人认为时尚摄影够不上是艺术，”她说。“不过我们这些时尚摄影师才一点也不在乎那些人。”