T. R. Williams的名字即便对于今天的摄影史研究圈子来说，也不是那么如雷贯耳。但在维多利亚时代的伦敦，他是当之无愧的巨星，也是当今3D电影热潮的先驱者。发明于19世纪50年代的立体相机和观片器，就是他手中的神奇武器。

他当时作为一位立体人像摄影师声望如日中天，以至于皇后本人都会邀请他为她的女儿，维多利亚公主的16岁生日和婚礼操刀拍摄。但随着电影在20世纪早期的出现，摄影这一艺术形式的流行性大打折扣，而类似于Williams等摄影师的立体摄影作品更是在照相店或拍卖行中束之高阁。

又是一位皇后发掘了它们，摇滚巨星皇后乐队的吉他手Brian May在一个又一个城市的巡回演出中，不断收集这类摄影作品。

“无论我们去哪个地方，我总能知道应该去见那位卖家或者收藏家，”May先生慢慢回忆起他爱上立体摄影作品的大半生经历。“这种感觉很好，我在与一个和摇滚世界毫无联系的圈子交流。这儿没人知道我是谁，至多把我当做一个爱好者。只有一个小孩子曾经看着我说，‘你们知道他是谁？他是皇后乐队的！’。”

在经过40多年的收集整理后，Brian的热情终于开花结果，他对于Williams生活与作品的研究集结成书，名为《一个失而复得的村庄(A Village Lost and Found)》，由Frances Lincoln出版社出版。为了推广这本他与摄影史学家、摄影收藏家Elena Vidal女士合著的作品，Brian开始了一场比他以往所经历的安静得多的巡回演出。其中一站，他和Vidal女士出席了第36届全国立体摄影协会，并作为嘉宾在一群热情的爱好者和收藏家面前发表了演讲。而在纽约的一站，Brian在TriBeCa的Barnes & Noble书店和许多热情而端庄的听众进行了交流。只有一位穿着皇后乐队T恤的粉丝到场，带来了他的红色电吉他希望May能够为他签名。而整个巡演中最庄严的一次，毫无疑问是上周五在大都会艺术博物馆与Viadal女士主持的名为“一个失而复得的村庄”的讨论，这是博物馆讲座系列中的一部分。

在他下榻的Waldorf Astoria宾馆接受的一次采访中，Brian说从他第一次看到Williams的立体摄影作品，就一直梦想出版这样一本书。那是一幅描述田园风光的水粉上色照片，当时在伦敦上大学的他感慨，“这太神奇了！”尽管拍摄人像和记录事件的工作在给Williams带来滚滚财源的同时也耗费了他大量时间，但他似乎依旧花了很多年头拍摄一个更加个人的项目，名为“我们村的风景”的自然摄影作品，经年累月地记录一个农家小镇的日常生活。

这组作品中的照片起着类似“抽烟斗的老邓”、“打瞌睡的小丽”、“装卸粪车”等名字，背后写着一些小诗，很可能作者就是Williams本人。照片中记录的这些传统英国乡村生活，早在十九世纪五十年代，就已随着工业革命的脚步渐渐消失。但这种对乡村生活的向往早已根植于英国文化中。

Williams的照片大部分为手工上色，所反映的那些业已消失的理想化世界，即便在May或者其他熟悉Williams作品的摄影师看来，也无法确定这些村庄是否真的曾经存在，或者是用不同的照片拼贴处理而成。

但是作为名人，最大的好处就是人得到很多人的关注。2003年，May把一张反应乡村教堂的立体照片放在brainmay.com试图寻找其出处，很快他就收到了大量信息，不出36个小时就找到了这座小镇。它并不叫照片上写的名字——布里加丹(Brigadoon)，而是叫做新墩沃德里斯特(Hinton Waldrist)，今天依旧在伦敦西面的牛津郡。

May先生和Vidal女士从那时起，在这上面花费了相当可观的时间，一一寻访在他的照片中曾经出现的那些建筑。当被问到他这么做是否是因为他自己在农村的少年经历时，在伦敦郊区费尔森(Feltham)长大的May笑着说，“也许不是这辈子的经历，我想。可能是前世的经历吧。”

随着乐队主唱Freddie Mercury在1991年辞世，皇后乐队也进入了半退休状态，曾经的传奇巨星Brain生活一下变得丰富了起来，写作只是其中之一。他回到大学重新拾起了因为音乐事业而耽误的天体物理学学习，并在2008年取得博士学位并发表论文《黄道星云径向速度研究》，这个题目用来当平克•佛洛依德的唱片专辑也许不错。他也是BBC热播节目仰望星空系列的常客，同时还担任利物浦约翰•摩尔大学的名誉校长。

虽然他的头发依旧维持他在皇后乐队时的发型，但已经变得苍白；他看上去更像是一位英国绅士，而非摇滚歌手。目前他还有两本关于旧照片的作品正在写作当中，一本是关于Williams的完整专辑，另一本是关于同一时代法国百花齐放的立体摄影界的研究。

“内容贡献者(contributor)”一词比“摄影师(photographer)”更加准确，因为iStockphoto中的很大一部分畅销用户是依靠出卖插图而非摄影作品为生的插画家或平面设计师。过去14个月时间里，这198名用户有些名次变得更高，也有些被后来者超越跌出名单之外。

Skashkin是我研究对象中最靠后的一位，照片累积下载数量超过47000次，2009年5月1日到2010年6月30日之间被下载5033至6033次，目前排名347。Yuri Arcurs排名第一，在过去14个月中作品累积下载在357574至367574次之间。

有些用户的爬升速度很快。例如说Monkey Business Images，尽管2008年3月才进入iStockphoto，但是在我研究期间已经从254位攀升至37位。到现在，Monkey Business拍摄的图片累计下载次数已经超过18万次，过去12个月时间下载数量超过12.8万次。

根据iStockcharts2010年7月1日所列全部29475人的信息显示，过去14个月间他们的作品被累计下载23570469次。他们名下的照片共计6279767张，占iStockphoto整体7063000张照片中的89%。

剩下11%的照片属于iStockphoto中剩余七万余名不知名用户。尽管他们占据了iStockphoto整体用户的70%，但从他们平均不过11张照片的作品数量和下载数据看来，他们中的大部分人并不活跃。与之相对，前198位用户的作品数量和下载数据也许能更真实地反应iStockphoto的销售趋势。

关于iStockphoto的有些数据非常精确，其它数据则只是些大概范围。从2009年5月开始，iStockphoto的访问者可以在任何时间查阅每一位用户提供的授权图片数量。

当年六月，iStockphoto改变了其向下取整的销售数据报告方式，改为精确到10000以内的数据。例如说下载数量如果显示为“greater than 100,000”，就表示实际值约在1000001到110000之间。如果用户的总体下载数据小于100000，那么精确范围也相应调整至1000。

我们计算了这段时间中每位用户的最大和最小下载值，以2010年七月之的数据减去2009年5月1日的数据，然后除以14得到这段时间内的月最低平均值。

我们也根据最高数据计算了这段时间的月平均最高值。然后我们将这198人的数据与五月的实际数据总值相比。

• 198人中的55人月平均销售数量有所上升
• 69人月平均销售数量有所下降
• 74人平均销售数量继续维持，没有跌破平均最低值，也没有超出平均最高值

这198位iStockphoto用户共计拥有567324张图片，约占全部图片的5.2%。过去六个月间，他们的作品总数增加了52449张，平均增幅超过10%。

2009年五月，来自这198位用户的全部作品总共被下载450593次。而过去14个月，他们的月平均下载量按最小值计算为417686，按最大值计算为491174，中间值为454430。

由于他们的照片占到整体下载数量的29%，因此我们能据此推断过去14个月间iStockphoto的图片销售数量表现平平。既然iStockphoto是微图库行业中毫无疑问的大户，那么我们有理由相信这个数据能够代表行业内的最好水平。

但值得注意的是，尽管销量平平，但由于照片单价的增加，iStockphoto的销售额依旧呈上涨趋势。另外还值得注意的是照片数的增加似乎对照片销量并没有太大影响，但也许对保持销量有所裨益。

如果我们能够跟踪10万名会员中其中销量最好的350人的数据，尽管他们人数只到全部用户人数的0.4%，但我估计他们的整体销量约能占到这段时间iStockphoto整体销售量的一半以上。尽管有人可以从微图库销售中赚到大钱，但是从上面数据我们可以看到这是多么的凤毛麟角。为什么5.2%的照片能占到全部销量的29%？为什么所有微图库网站都存在类似的状况？因为客户可以按照下载数量排序，这给之前有销售记录的图片带来了巨大的优势。Yuri Arcurs估计大约有80到90%的用户会根据下载数量排序搜索结果。

而这势必会给新图片带来极大的不利，无论它们的质量如何，但他们永远排在搜索列表的最下方，永远不会被人发现。

有人想要知道这些下载数量到底值多少钱。根据从一些摄影师处得到的信息，一张照片的毛利率在6.5到7.5美元之间。这些销售冠军中有不少人只在iStockphoto上销售作品，因此可以拿到其中的40%。

未签订专属销售协议的摄影师只能提成20%，但他们可以将同一张照片提交给很多不同的微图库网站。值得注意的是，包括Yuri Arcurs、Andres Rodriguez和Monkey Business Images在内的不少摄影师都表示，在多个网站销售要比在iStockphoto一家销售收入多不少。

以下是我们得到的一些基本结论

• 过去一年中，微图库摄影作品的销量很平
• 少数用户拍摄的图片占据了大量的销售份额
• 尽管越来越多的人相信随着线上媒体对图片的需求增加，微图库的增长势头永远不会停歇，但我们现在也许已经进入一个瓶颈阶段。愿意花钱购买微图库图片的人，已经都这么做了。他们每年所需的图品数量稳定，已经找到了价廉物美的图片来源，因此需求不会继续增加。
• 当一种商业模式趋近成熟，那么就不可能单纯依靠生产数量继续发展，而必须依靠扩大销路或提升价格。这正是微图库行业目前所面对的。
• 我们不能单单从销售收入来判断行业的趋势，同时还要注意隐藏在背后的销售数量。价格上涨可能在短期内提高收入，但从长期来看却有可能将客户拒之门外。有人会寻找更加便宜甚至免费的图片来源，特别当Google或Flickr能提供更好的搜索结果时。

离开玻璃的装裱也有自己的美学魅力。

"我最关心的是让观众能直接看到照片，"摄影师Chris Jordan说。他的作品尺寸通常都很大，曾在纽约的约西•米洛(Yossi Milo Gallery)和洛杉矶的保罗•科佩金(Paul Kopeikin Gallery)两家著名摄影作品画廊和多家博物馆与教育机构展出。"尽管玻璃是透明的，但是总还是像一道墙隔在观众与作品之间，摄影师们常常使用的画框阴影更加强了这种感觉。"

Jill Greenberg的作品被包括纽约的Clamp艺术画廊在内的多家机构代理，她说她非常羡慕摄影师David Maisel等人不带玻璃装裱的作品效果。"我觉得这些作品看上去很棒，于是我开始研究摄影师们所采用的一些其它装裱工艺，无需将玻璃隔在摄影作品前。"她又补充，"我的摄影作品经常被人误当作绘画，我希望这样做能加深这种误会。"

听从她在洛杉矶Fine Art Solutions公司装裱师的建议，Greenberg选择了德邦(Dibond)铝塑复合板装裱自己的大量喷墨输出作品，表面使用含紫外线吸收剂的透明哑光液体涂层材料覆膜。最终得到的结果色彩丰富、栩栩如生，丝毫没有玻璃表面反光等问题的困扰。

Clamp艺术画廊所有人Brian Clamp对此表示，"德邦是可以用来装裱作品的最坚固的材料"，装裱在德邦板上的作品基本上不可能出现弯曲变形的问题。他还说德邦同时也是"市场上最平整的板材，使用它来装裱作品不会像Sintra那样，导致装裱结果表面出现橘皮纹理。"Sintra表面使用的背胶据信是导致不平整纹理出现的罪魁祸首。

市面上的表面材料很多，为了寻找一种合适的、无需玻璃的展示方式，Jordan尝试了很多不同的表面材料，既包括喷雾，也包括冷裱膜。这些产品来自Drytac、Lyson、Acrylite、Neschen等不同厂商，都宣称自己具有紫外保护能力。但一方面这些产品都会或多或少改变其作品表面的原有纹理，另一方面他对这些产品的有效时间也持怀疑态度。经过多方试验后，Jordan最后选择了纽约的Laumont Studio公司为其装裱作品。他们使用的工艺和专利技术Diasec类似，根据该公司Willie Vera的说法，Jordan的作品与一块1/8英寸厚的抗眩光有机玻璃密合在一起。Jordan说，"表面材料工艺近些年来变化很大，现在市面已经有了若干保存级产品可供选择，例如说Lexan公司的有机玻璃材料，耐磨性超强。我使用有机玻璃为我的展览作品提供表面保护，展览的时候有不少人喜欢在我的作品上摸来摸去，特别是小孩子，有了表面保护后这一切不再成为问题。"

Greenberg同样提及自己家中挂着的几幅带表面保护的作品，当她小孩的脏手偶尔把作品弄脏，"我可以把它们直接擦干净，不留下任何痕迹。"即便是画廊开幕时的红酒溅到有表面保护措施的作品上，同样也能擦干净。

Clamp相信类似于Greenberg所使用的表面保护工艺相对玻璃来说优势更明显。"它们不会显著增加作品的重量；布置画廊时的作品照明也不是问题；表面质感可以在磨砂、绒面和光滑中选择；由于不如玻璃一般易碎，也不用担心运输，"他说。

但是，所有这些表面覆膜和装裱工艺都存在一个问题，Clamp说，"那就是保存性。"他解释道，"尽管厂商都说这些产品是保存级，但事实上我们无法验证。我听说过有些表面覆膜产品会在一段时间后变黄，我并不感到意外。另外，虽然表面覆膜产品可以保护艺术品不受到湿气和紫外线的伤害，但如果有锐器落在上面，同样还是被毁掉。"

301条喷墨打印技术技巧(301 Inkjet Tips and Techniques)的作者Andrew Darlow说，现在判断这些新的技术是否能满足保存级要求还为时过早。"目前很多产品可保存性方面的相关数据还很少。而且当你将不同工艺的输出使用不同黏合剂与不同表面装裱在一起的时候，变数还会增加。"纸张、胶水、有机玻璃和铝板对于水气、温度和紫外线的反应有所不同，而所有这些因素都会导致输出作品的老化、褪色。Darlow表示，他并非艺术品保护保存方面的专家，所以很难估计这些不同因素与材料的组合，会给老化过程带来何种不同的影响。

"温度和湿度对于任何艺术作品来说都是个大问题，但是我想使用表面黏合装裱(face-mounted)工艺的艺术品与传统裱版装框作品相比，对此更加敏感。就我个人观点来说，我还是更加推荐使用颜料墨水在无酸艺术纸上打印输出，然后使用传统工艺裱版装框的方式。"

Clamp说，大多数收藏夹更欣赏无玻璃装裱方式作品的质感，"而且他们也更愿意尊重艺术家们选择的装裱方式。"但是博物馆对此更加谨慎。"考虑到保管及存储方面的问题与难度，美国这边的博物馆还不接受表面黏合装裱方式的作品，这对艺术品买家来说是个问题，" 纽约Hasted Hunt Kraeutler 画廊所有者之一W.M. Hunt表示。

亚蒙卡特博物馆(Amon Carter Museum)摄影作品保管员Sylvie Penichon说，她从未听过有任何博物馆因为作品使用表面黏合或背板工艺而拒绝购买某件作品。但是她同时也表示，"我们已经了解到，和未尽装裱处理的C-print作品相比使用表面黏合工艺装裱在有机玻璃上的C-print作品对光线更加敏感。同时由于有机玻璃硬度不高，也更容易被刮伤。我们见过一段时间后，由于表面有机玻璃划伤影响观瞻的作品。"另外她还看过很多使用表面黏合工艺装裱而褪色、发黄的作品。"早期使用表面黏合工艺装裱的作品现在都面对变形的问题，"上世纪80年代早期在托马斯•斯特鲁斯(Thomas Struth)、托马斯•鲁夫(Thomas Ruff)等德国摄影师的领导下，该工艺曾经风靡一时，"那时候人们都没有在作品背后使用裱版。现在的摄影师在使用该工艺的同时还会使用德邦或辛塔那等板材在背后提供支撑，使作品更加坚固。"

今年早些时候，艺术出版物上开始讨论安德烈斯•古尔斯基(Andreas Gursky)在20世纪90年代中期使用Diasec工艺装裱的C-print作品，已经纷纷出现褪色或刮花的现象。纽约现代艺术博物馆 (Museum of Modern Art)的首席保管员Jim Coddington表示，他们部门正在探索更好的保存与展览这些作品的途径，以延长其保存时间。"我们同时也在研究如何护理有机玻璃表面的方法，减少划痕或其它可能影响到作品的外表损毁。"

由于这些有机玻璃是和作品表面直接黏合在一起，因此万一出现损坏很难替换，但使用传统工艺装裱的作品很容易。Jordan承认有机玻璃和传统玻璃相比更加容易损坏或损伤，但是他认为关于损坏或损毁方面的问题被过度夸大了。"我所有出售给博物馆和收藏家的作品均使用表面黏合工艺装裱。博物馆不喜欢使用表面装裱工艺作品的原因是它们脆弱，但油画和它们比起来更加脆弱，而且我的作品万一坏掉了还可以重新打印一份。"

Penichan说有些博物馆在收藏作品的时候会要求艺术家提供两份拷贝，一份装裱用于展示，"另一份不装裱，用作拷贝留档，而不进行展出。"Jordan和其他摄影师选择根据不同环境使用不同工艺制作作品：对于人流量大的区域使用表面保护工艺装裱，而对于希望保存期作品的收藏家或策展人则提供未装裱的作品，或让他们自己选择装裱方式。

"为了保证收藏家们的投资不因为刮伤而流失，我向他们保证对于任何受损的作品，我将仅收取制作费用提供以旧换新服务。尽管到目前为止还没有发生此类事件，但至少这样做给收藏家们脆弱的作品提供了一些保证，"Jordan说。

另外他还说，"有些收藏家和博物馆要求我提供未经装裱的作品，我永远对此没有异议。"

从最好到最快

在过去很长一段时间里，摄影作品能否获得人们青睐，主要取决于画面品质以及内容是否与用途相符。

价格，被当做价值的衡量工具，并不是一个问题。杂志对于花大把银子将摄影师送往世界各地拍回最好的照片毫不手软，激烈的竞争保证出现在报摊上的每一张封面都是最好的。拿到最好的照片，是一种荣誉。

当数码时代到来，能否拿到最好的照片不再是出版商关心的重点，而是要比竞争对手更快的拿到照片。所以他们不再需要派出摄影师，而是挑一个已经在现场的摄影师，然后最快拿到照片。

这种状况已经持续了一段时间，但随着器材越来越便宜，越来越容易使用，摄影师变得越来越多，而且还有更多的人等着加入这个行列。他们都虎视眈眈，期待自己也能成为第一个拔枪的人。

照片必须拍下来，才能传出去。于是一瞬间，所有人都站在了这条起跑线上。

从最快，到最贱

接下来会变成什么样？随着价格越来越便宜，竞争再次转变，出版商选择照片的决策因素这一次变成了价格。我们今天正在面临这样一个局面。人们不再凭借照片的质量，而是凭借其价格作出选择。

你会不会成为下一个布列松并不重要，只要你太贵，你就出局。如果一家图片社的一张单子已经分给了其它两位或者三位摄影师，而你啥也没拿到。那还是算了吧，咱们回家烤红薯去。也许编辑会喜欢你的作品，但是他们不会用。

读者们并不知道，他们花钱买来的杂志并没有给他们带来最好的照片，而是最便宜的。毫无疑问，读者被欺骗了。难道我们选择一本杂志，不正是因为相信它们能给我们提供最好的内容吗。至少从摄影角度看来，它们并没有做到。甚至它们根本没有尝试这样去做。

照片开支现在已经被卡得死死的。出版商们不再认为伟大的摄影作品能够帮助他们树立品牌形象，扩大读者范围。他们只是将照片视之为鸡肋。优秀的摄影作品依旧每天在诞生，遗憾的是由于这些握着荷包的人，没有办法与公众见面。

新的转变

但也许新的转变正在到来。当杂志和传统网络出版商依旧考虑传统一对多的大众传播(boardcasting)时，我们的世界已经变成了多对多的社会化传播(social)。消费者正在从被动的内容接收者朝着主动地内容提供者转变。

随着转变深化，越来越多的人会试图寻找自己的图片来源，然后与他人分享。他们会慢慢忽略出版世界，和那些锱铢必较的商人们说再见，凭自己的喜好寻找照片。

要不了多久，没有人会相信消费者只能被动的接受廉价的图像。过去曾经挡在消费者与图像制造者之间的藩篱已经倒下，摄影史上，他们第一次有机会与不同来源的图像接触。他们能看到出版商提供给他们的图片到底来自何方，然后据此判断是否应该继续买账。

转变还在继续，摄影师和图片社需要一条能直接将自己最好作品放在读者面前的方式，并以此获利。他们需要寻找一条新的道路，抛开出版商，这群已经不再关心质量，只关心价格的人。

你舒适的工作在过去每天为你带来创意与挑战，而现在留下的只有怀疑和不确定。图片编辑们开始担心自己的位置还能保住多久，摄影记者们开始自问哪张照片会成为自己拍摄的最后一张。每个人都活在恐惧之中。

过去十年，摄影师们从数钱数到手抽筋渐渐变得人人自危，这个行业关心的不再是才华、创意、能力这些问题，而是如何把别人挤垮。

拿报价来说，大家不再关心作品最终的用途、凝集的创意、所需的能力，而是害怕有人出更低的价格把单子抢走。无论给杂志拍专题，还是给代理拍广告，在过去以身份自居的影像不得不在价格面前低头。这年代，钱说了算。图片编辑们开口第一句话就是"再低也有人干"，这让摄影师和代理们在报价时不得不小心翼翼。很少有人还在讨论质量。

价格不是人们唯一担心的，盖蒂一类的大鳄同样让摄影师战战兢兢。如果你不给他们打工，他们会威胁让你的作品永无出头之日；如果你给他们的对头干活，那就永远别指望给他们做事。这有点像沃尔玛潜移默化给供应商的理念，"我们拥有市场，我们拥有你"。顺到一说，有些沃尔玛的供应商最终由于价格过低而无以为继，不得不关张大吉。

图库摄影师们恐惧微图库的人海战术；图片社们恐惧自己的竞争对手；婚纱摄影师们恐惧个体户们的低成本；图片编辑恐惧头上的老板；出版商们恐惧未来。

除了这些，还有每个人都在害怕的孤儿作品(Orphan Works)问题、电子边界基金会(Electronic Frontier Foundation)、政府、高新科技，甚至自己的汽车。

最近，有家图片匹配公司发布一项报告称商业网站中使用的图片有80%未经合法授权，而他们的服务能提供对策。恐惧成为了营销手段，你会买账吗？

当未来变得不确定，人们自然会产生担忧和恐惧。这不光发生在摄影圈，也发生在我们身边。今天，没有人还敢确定自己五年后会是什么样子。

但无论公司还是个人，把这种恐惧当作资本、当作自己讨价还价的工具都是可耻的。这种趁火打劫还要往自己脸上贴金的行为，无疑是既想当婊子、又想立牌坊。

作为创意产业，摄影不会因为恐惧变好，只会慢慢失去活力而变得平庸。无论是买狗皮膏药的江湖骗子还是扯大旗的政治家都能打着让生活更美的口号牟利。投机主义者总能抓住行骗的机会，而恐惧正是一个合乎逻辑的借口。

在今后几年里，我们会看到很多恐惧之下做出的选择，大多只会让我们的行业状况越来越糟。当然，除了这些因小失大的结局，我们还会看到更多伺机而动的投机主义者。

原文见黑星图片社博客，When Fear Rules the Photography World, We All Lose。

"他用心拍摄的那些照片没有暗角，不是随随便便拍两下身边的场景"

所有在乎摄影，将其视为一种独特迷人艺术媒介的人都应该为这句话感到耻辱；特别在这儿，现在，2010年，这个国家，这个城市，你们这么一群热爱摄影无出其右的人。

也许这只是一句没经过大脑的评论，但正是这样一句话，反映出艺术世界里面还有很大一部分人完全不理解摄影。他们能理解那些使用摄影记录自己创作灵感、装置作品、行为表演和艺术理念的艺术家，理解把这种特殊媒介当做艺术手段之一来丰富自己作品的人。但他们不了解作为摄影的摄影或摄影本身，不了解摄影来自世界本身，而是将其理解为碰猴子撞大运的行为，与报道摄影混为一谈，甚至略带嘲讽地为其打上纪实的标签。

如果我们回头看看二十世纪那些经典的摄影作品，大部分都能被这话骂进去，这真的很让人伤心：从Walker Evans到Robert Frank，从Diane Arbus到Garry Winogrand，从Stephen Shore往返于美国拍摄的那些《Uncommon Places》，Robert Adams穿梭于《The New West》拍摄的丹佛乡村，到William Eggleston徘徊在Jimmy Carter家乡拍摄的《Election Eve》，有谁在用心思考后还觉得这些热情的摄影艺术家只是"随随便便拍两下身边的场景"？

那么问题在哪？更大范围的艺术圈子并不难接受Jeff Wall，不难接受Cindy Sherman，不难接受James Casebere，也不难接受Thomas Demand，一部分原因是由于他们的作品创作过程清晰明了，一望便知。他们的作品很容易表现艺术家的想法，也能够为人所理解。Thomas Demand拍摄每一幅照片之前都要花几周时间精心构建拍摄场景；Cindy Sherman的自拍照需要精心装扮、表演。无论是哪一种，艺术家干的活都摆在明面：一看就知道经过了处理、布置、构造或者执行。经纪人可以对老板解释，策展人可以对公众传达，评论家可以对读者交代，皆大欢喜。但问题在于，就算你可以说Jeff Wall的照片是精心设计的街景摆拍，你如何解释Garry Winogrand在纽约街头干的事，说他只是按了一下快门？如何解释Stephen Shore在埃尔帕索拍摄的那些空荡荡的十字街头？稍微有点脑子的人都知道他们一定干了些什么，一定干了些值得人注意的事情，但是……到底是什么？我们如何理解这种独特的摄影创作行为，并且用艺术圈也能理解的方式使其认可严肃摄影本身是一种艺术创作形式。

请不要误会，我欣赏Cindy Sherman、欣赏Jeff Wall、也欣赏Thomas Demand，毫无疑问这并非是一个左右为难的选择。也不要误会，我不是在劝说大家回归摄影本源，像马格南摄影师那样拾起徕卡相机拍摄黑白照片；远离这些东西，我们都很清楚现在是一个后纪实摄影世界。这些否认并非抵抗，我不得不说纯粹摄影(straight photography)在艺术圈子的境遇让我想到与夏虫语冰的寓言。

我是不是正在向风车发起挑战的堂吉诃德？坦白说，如果放松心态来看，塞万提斯笔下这个人物的行为同样有其可取之处。艺术圈与摄影圈之间并非你死我活的关系，不像夏虫与冰，更像雕塑和绘画。我们需要艺术圈子里有一些聪颖博学、能言善辩的人站出来，有一些明智的策展人或者写手，真正理解摄影，愿意花时间认真讨论摄影的本质，厘清其独特的艺术魅力，帮助更大的艺术世界和公众区了解这种创作行为的本质--世界赐平淡与影像，影像还世界以精彩。

幸运的是人们已经开始了解Robert Frank、Garry Winogrand、Diane Arbus、Robert Adams等人在上世纪五十、六十、七十年代所作出的成果，我们必须心怀感激。我想对在大都会博物馆、惠特尼博物馆、古根海姆博物馆、当然还有现代艺术博物馆曾经举办过的那些展览；对那些书籍、概录和开明的论文说一声：谢谢。但是，让我如何面对那些处在当下恶语中那些对纯粹摄影抱有同样忠贞与信念的人们？我不会在这儿提他们的名字，但确实有一批摄影师的努力依旧为时间的迷雾掩埋，他们不知道要向谁控诉艺术圈给他们带来的磨难，让他们的路越走越窄。他们的作品不会出现在艺术史，不会出现在双年展，不会出现在主要的现代艺术画廊或艺术交易会。这不仅剥夺了这批作品的曝光率及其应有的地位，同时也打击了这些艺术家的自信心，使他们得不到成长所需的肯定与赞扬，甚至无法使他们得到一些基本的经济援助继续自己的艺术创作。而最为重要的是，这使得我们的艺术眼界越来越窄，最终成为不知冬有寒冰的夏虫。

如何描述摄影的这种创造性本质，正是我们要在这里讨论的问题。我能力有限，仅能起到抛砖引玉的效果。我希望大家团结一心，通过这些艺术家所追求的视觉力量，穿破当下不透明的屏障，向公众传递他们对于摄影和摄影艺术的理解。他们为摄影不懈努力正是为了这一刻，这一刻他们与我们同在，就在这儿。尽管我们后知后觉，但至少站在了他们肩膀上。我希望我们能在此有所发现，

这篇文章是摄影师Paul Graham 2010年2月16日在现代艺术博物馆第一届摄影论坛上发表的演讲

查尔斯•摩尔最初是他的故乡阿拉巴马州蒙哥马利市一家当地小报的记者，随后因为给生活杂志拍摄作品而混出点样子，但让他名噪一时的还是其游走南方拍摄的那些民权运动照片，记录着当年黑与白、对与错之间的抵抗与碰撞。

摩尔永远是端着相机冲在最前面的人，热衷于广角镜头的他永远是离骚乱场面最近的摄影师，而一旦开始按快门，他还会逼得更近。

在那个电视起步还没有多久，画报杂志一枝独秀的年代，生活杂志花了13页来刊登摩尔、弗利浦•舒尔克(Flip Schulke)等人1962年密西西比大学骚乱中拍摄的照片，次年又花了11页刊登发生在伯明翰的警犬与水龙驱散事件。

人权战场上传回的那些动荡照片与紧随其后的赫斯特•法埃斯(Horst Faas)、艾迪•亚当斯(Eddie Adams)、黄功吾(Nick Ut)等人拍摄的越南战场的惨景，创造了报道摄影的黄金年代。

今天，每个人只要拿着一部手机都可以管自己叫做摄影师或者摄像师，流媒体正在互联网上蔓延。但报道摄影是否正在因为影像的迅速泛滥而丧失了自己的价值或影响力？

作为MSNBC.com的多媒体总监，Stokes Young每天需要在屏幕上浏览大量的影像和视频。他随口就能说出一长串摄影师以及他们那些引起巨大反响的作品。

经济危机对于岌岌可危的印刷媒体而言无异于釜底抽薪，这使得他们无力供养大量的摄影师，对于地方媒体来说失态更为严峻，但是"那些顶尖的报道摄影作品依旧表现出惊人的品质"，他说。

而非专业人士拍摄的大量影像与视频充斥着地方小报的版面，编辑们反而比以前更加忙碌，除了整理人们上传的地震、干旱、群体事件等照片，还要盯着东家的长李家的短，然后根据真理部的指示判断这些照片是不是都能刊发。

"在目前这种嘈杂的媒体环境中，无论什么样的影像都很难在国家或世界范围内引起重大注意，而严肃的报道摄影作品在其中的比重也正在减少"，Young如是说。另外他还补充到，"非专业人士拍摄的照片走到聚光灯下的可能性正在增加"。

去年妮达•艾嘉•索尔坦(Neda Agha Soltan)在德黑兰的一次反政府示威游行中不幸中弹身亡，整个过程被手机拍摄了下来并且迅速通过互联网传播。她血淋淋的面部特写镜头被截图并广为流传。随着视频质量的不断提高，截图足以供新闻报道之用。

很多专业摄影师不免担心，纪实摄影黄金年代中流传的那些准则会被慢慢遗忘。在过去几十年时间里摄影师们曾聚集在摩尔、亚当斯、黄功吾等人身边倾听他们的言传身教，而这种方式正在被网络培训班(Webinars)所取代。

尽管如此，很多强调纪实摄影的新兴媒体网站依旧坚持着查尔斯•摩尔的社会责任感。"记录社会的不公平现象是我们的天职"，同时也是推动纪实摄影前进的动力，MediaStorm.org的创办人Brian Storm说道。他们在今年刚刚成为第一个获得阿尔佛雷德•杜邦•哥伦比亚大学新闻奖(Alfred I. duPont-Columbia University Awards)的网络机构。

在Brian Storm布鲁克林办公室的墙上，悬挂着一幅11X14英寸的黑白照片，伯明翰的一个消防队员正用水龙驱散一名黑人女子和两名黑人男子。每当他感到迷茫，总会抬起头看看这幅照片，这幅查尔斯•摩尔拍摄的照片。

"为了老婆孩子热炕头，我只能打落牙往肚子里吞"，他说。

2008年毕业的时候，Eich 23岁，虽然总能从这个那个杂志社里接到单子，但"在这个行业里混饭吃，就我个人感觉而言绝非长久之计"。他现在也会接一点广告单，做点艺术项目，多找几条糊口的路子。"以前的活路，现在已经寸草不生。"

与他形成强烈对比的是D. Sharon Pruitt女士，住在犹他州Hill空军基地的Pruitt太太是六个孩子的母亲。丈夫动荡的军旅生活注定她不可能找到一份安稳的全职工作。2006年一次夏威夷假期给她带来了改变。

Pruitt太太把用一台价值99美元柯达数码相机拍摄的照片上传到flickr，并一发不可收拾。这些照片给她带来了盖蒂图片社的一纸合约，通过将其出售给出版商或广告代理，每月能赚点小钱。尽管少的时候只够全家人上顿餐馆，但多的时候甚至能抵一个月的房贷。"反正，赚外快的感觉很棒。"

Eich和Pruitt的遭遇正视过去十年间摄影行业巨大变化的缩影。摄影爱好者们拍摄的小孩或太阳给他们带来了额外的收入，同时也拿走了本该进入专业摄影师口袋中的钞票，甚至压缩了他们本就有限的生存空间。而报刊杂志接二连三的缩减版面甚至关门大吉，更是他们心头的一道道伤疤。

"现在，只有极少数专业摄影师还有可能独善其身"，Photo District News杂志编辑Holly Stuart Hughes如是说到。

专业摄影师们或多或少都会感到自己的身份正在收到威胁。九年前Livia Corona刚刚从艺术学校毕业的时候还能接到Traval、Leisure或者Time这些杂志社的单子，但现在，她感觉"置身三国乱世"。

乱世缘起广告公司的倒台，数码摄影的兴盛，图片市场的风云变幻。

广告的数量决定了杂志报道版面的多少。2000年的时候，根据出版人信息机构(Publishers Information Bureau)的数据杂志广告总数为286932页，2009年这个数量减至169218，下滑41%。这也就意味着能留给照片的空间越来越少。

"版面寸土寸金，现在任何内容想要登上杂志都必须经过一番厮杀，评价作品优劣的标准也一再提高"，Life.com编辑Bill Shapiro表示，2007年生活杂志关张大吉前他就已经在这儿工作。杂志出版商们日子也不好过，根据MediaFinder.com的统计数据表明，2009年一年停刊的杂志就高达428种，其中包括Gourmet、Portfolio、National Geographic Adventure等原创摄影作品的大买家。

随着编辑预算一再缩水，无力支撑摄影师签约拍摄原创作品，杂志不得不重新打量起过去一度嗤之以鼻的图库。

"公司刚起步的时候，图库作品、版权图片这些事先拍摄好的影像曾被摄影行业视为鸡肋"，盖蒂图片社创始人之一，现任总裁Jonathan Klein回忆道。"自视甚高的艺术总监或创意总监们丢不起这个人，看不上事先拍摄的作品。因为这些作品不是原创的，不是出于他们的委托，没有包含他们的创意。"

与此同时，互联网的大规模应用使得图片编辑们查找图库作品更加容易。他们只需几次点击就能在几秒钟时间内找到自己需要的作品，而不是像过去那样花上几个星期把反转片寄来寄去的沟通。

数码摄影也在暗中孕育自己的力量。"过去你必须掌握好手中的相机才能上马拍摄"，为Spin和Rolling Stone两家顶级音乐杂志供稿的摄影师Keith Marlowe说。"如果你把卷子拍砸了，你没办法让演唱会再来一次"。而现在，谁都能立即查看拍摄结果是否合意，是否需要调整光线平衡或者其它参数设置。

于是一大堆看上去像模像样的照片就这样涌入了图片市场，闹得鸡犬不宁。就在过去短短几年之间，传统图片社纷纷通过自办或收购的方式涌入了微图库这个细分领域，大多数情况下出版商或者其它机构个人只需掏上几个子就能获得一张图片的使用权，而这些图片大多来自摄影爱好者。2008年盖蒂图片社与Flickr达成协议，允许盖蒂图片社的编辑浏览其客户作品并与这些摄影爱好者们签订用图合约。

"现在这些图片的质量和他们雇佣专业摄影师拍摄的质量已经相去无几，"Klein先生说道。何况"对于我们的客户或顾客而言，所需费用还不到雇佣摄影师拍摄的零头。"

2005年，盖蒂旗下的商业摄影作品数量仅一百四十万，到去年这个数量上升为两千二百万。"所有这些增长都来自于我们用户提交的作品"，Klein先生表示。

对于摄影爱好者而言，他们照片只要能卖钱就会觉得非常开心。"对于这些不靠摄影谋生而仅将其看做一种爱好的人，并不存在什么合理收费一说"，Eich抱怨道。

随着图库费用下滑以及报刊原创作品需求减缩，Life.com和BurnMagazine.org这样的网站开始慢慢成为原创摄影作品的新家。Life.com现在每月都会签拍两个专题，例如说让Mr. Marlowe报道海地震后状况或是邀请娱乐摄影师Jeff Vespa跟拍阿凡达剧组的欧洲巡回宣传。

专业摄影作品还能在这儿找到自己的知音。以Life.com上两个专题为例，迈克尔•杰克逊：永远的回忆每用户浏览量为41幅图片，奥斯卡2010：最佳着装为38幅。

尽管和平面媒体的报酬相比，"肯定要少一些"，但是Life.com的Shapiro女士也表示一些专业摄影师们"现在更加看重自己的曝光率而不是在费用上唧唧歪歪"。但是曝光率并不能当饭吃，有些专业摄影师们担心这样做会使得摄影行业的薪酬水平进一步下降，带来更加剧烈的冲击。

"报道摄影记者知道如何讲述故事，这才是关键。他们知道他们的镜头并非用来扭曲真相、粉饰太平、传达偏见"，纽约视觉艺术学院数码摄影硕士项目负责人Katrin Eismann女士说道。"一个摄影师去拍摄游行或者示威，他既可以让现场看起来只有十个人，也可以让现场看上去有一千人。这就是区别。我并不指望我能相信一个摄影爱好者能懂得视觉传达的重要性。"

"爱好者能把照片拍得和专业摄影师一样好吗？当然可以"，Eismann女士说。"但他们能按照要求拍摄吗？他们能两次拍得一样好吗？他们能保证每一次都拍得一样好吗？他们能保证当场景变得不那么诱人还能拍得一样好吗？"

但对于Pruitt太太这样的爱好者而言并不关心这些问题。

"我不关心那些传统的摄影规则，我本来就什么不知道。我没上过摄影学校，也没有上过培训班"，她说。"就是因为我们不懂规则，所以才能由着自己喜好拍，所以才会有人喜欢，就是这样。"

尽管就British Journal of Photography杂志博客1854的评测来看效果并不太理想，但这也已经足以令暴力来的爱好者们欢呼雀跃。

就尝鲜版PX100的质量问题，我们采访了Impossible Project的Marlene Kelnreiter女士，她表示目前的PX100只是测试版本，项目团队还在继续改进其品质，下一版产品在质量上与当前版本将有显著区别。

谈到价格问题时她同时表示，目前的价格偏高是由于前期研发与厂房租赁费用的影响，由于所有费用均来自个人投资，因此他们无力左右当前售价。

我们已经与Impossible Project安排了完整的采访计划，如果你有什么问题想问他们，也可以在下面留言。

纽约时报记者Todd Heisler结束了海地的拍摄后，在莫斯科渡过了一个悠长假期，虽然他的单反掉了链子，但他还有手机。在iPhone插件ShakeItPhoto的帮助下，同样留下了值得回味的作品。同样这么做的还有美联社摄影师David Guttenfelder，他用手机记录了在阿富汗采访的日子。

宝丽来从来没有离开，它一直在我们身边，手机就是这个时代的宝丽来。

APE：你到洛杉矶多久了？

Vincent Laforet：去年六月搬过来的。带着我的妻子，刚出生的女儿，还有五个月大的儿子。

APE：你现在算是制片人了？

VL：我管自己叫做商业导演兼摄影师兼摄影指导。

APE：你现在摄影活干得还多吗？

VL：最多三成，都是商业活。过去16个月里我只接了两个报道任务，一个是迈克尔•杰克逊的葬礼，一个是奥巴马的就职典礼。

APE：给我们讲讲你的转变过程。你是个很不错的报道摄影师，08年夏天还给纽约时报在中国拍摄了奥运会。你最开始就是干新闻摄影这行的，对吗？

VL：没错，我15岁起就给Gamma和Sigma等图片社打工，先是在法国，然后是美国。接下来在美国做连线报道，然后在纽约时报干了6年。可以说我骨子里是个报道摄影师，不过四年前我决定改行干干商业摄影。

大约一年半前佳能5D Mk II面市，我接触了这台相机。这也许是我职业生涯中最重要的一次自我转变。

APE：于是现在你抛弃了一切来到好莱坞？

VL：呃，我住在曼哈顿海滩，和好莱坞还隔着点。而且我并不是打算当一个真正的电影导演，而是在负责商业片拍摄。

APE：电影何时成为你职业道路中一部分的？这是你的目标吗？

VL：电影一直是我过去的一部分。我的养父是一位剧照摄影师，而我的生父是艾曼妞(Emmanuel)的电影导演。

APE：也就是说这是你血液中的一部分。

VL：我想可以这么说。我一开始被纽约大学和南加州大学的Tisch艺术学院和南加州大学录取，本可去读他们的电影或纪实摄影专业。但出于某些原因我最终选择了西北大学Medill新闻学院就读出版纪实(Print Journalism)专业。

APE：因为你和所有小孩一样，喜欢和父母对着干？

VL：我想讲述真实的故事，发现真实的世界，这才是我投身纪实摄影的关键点。我见识过拍商业片或电影的人，当时我觉得这有些离经叛道。

APE：没错，你希望站稳脚跟，发出自己的声音。你有正式学习过电影拍摄、导演或制片吗？

VL：我没有在学校里学过这个，但我从15岁起就开始入行，自己拍片。我一路杀进大学，对每一点小事都报以同样的关注。对我来说，拍电影最困难的一点是掌握电影用光和摄影用光之间的区别，也就是持续光源和闪光之间的区别。尽管基本原理相仿，但器材完全不同。四年的商业摄影经验和近二十年的报道摄影经验给我打下了牢实的基础，关于拍摄、构图、大场面处理这样的问题对我不在话下。如果我真的直接从纪实摄影改行做电影，只怕会摔得很惨。

APE：我这么问是因为有不少干新闻摄影的人都惦记着改行，你是先行者。你跟我提过你现在前所未有的忙。

VL：我从来没像现在这样忙。老实说我很不想承认这一点，这种说法听起来有些可耻，特别现在经济已进入复苏阶段。但实际情况确实如此，我想这一方面是因为经济状况好起来了，另外一方面是因为过去一年半时间里很少有人干我这行事。当然，就像你说的，"站在科技发展的风头浪尖"也起到了很大一部分作用。很多找上门来的活都巴望着从高新科技里谋点福利。客户总希望金融风暴洗礼后那点紧巴巴的预算能早些新路子获得同样高质量的结果。新技术的出现给予我们填补空白的机会。

APE：没错，他们都这么说，"我们能找个哥们帮我们用单反拍视频么？"

VL：最近几年圈子变得很有趣，终结者：救世军的摄影指导Shane Hurlbut、24小时的摄影指导Rodney Charters、英国导演兼摄影指导Philip Bloom和我突然站到了科技的最前沿。我想我们只是最早一批适应使用高清数码单反相机拍摄影片的人，我们在这上面画了不少时间和经理，我们投入了不少时间研究这种相机，以期实现过去高档电影摄影机才能实现的效果。

APE：如果有人想要找玩转这门新技术的行家，他们会怎么说？"我们想要个……"

VL：他们会说他们想找一个佳能摄影相机或高清数码单反方面的专家，或者他们直接提相机的型号，5D Mk II，1D Mk VI，或7D等。

APE：为什么他们需要这方面的专家？

VL：因为这些相机并非设计用来干他们想干的事情。我花了一年半的时间让一帮好莱坞顶尖的相机操作、制造专家们围绕这款相机创造了一个完整的系统，基本实现了你想要专业电影摄影机所能帮你实现的一切功能。

APE：你基本上把它变成了一台正经的电影摄影机。这和电影摄影机相比有什么优点？价格？

VL：就和RED比较吧，使用高清数码单反拍摄制作成本可能只有前者的一半或三分之一。这和相机的体积、感光度、以及周边配置都有关系。你不需要一大帮人围着这台相机转，所以开拍收工都变得容易许多。而且在某些情况下效果看上去更好。全幅相机的感光元件对于光线敏感程度惊人，在弱光环境下效果无可匹敌，所以这些相机对于环境光的使用没有任何电影摄影机可以与之媲美。这一点非常重要，这就意味着你不用总是带着两车灯光设备跟着你满世界跑。灯光不光在预算里面需要占据很大一笔，还会占据至少1/3的拍摄时间用于布光准备等等。当然，优秀的光线条件带来的效果无可替代，这一点同样重要。但使用高清数码单反意味着你放弃一棵树，而投向一片森林。

APE：也就是说你现在基本都在夜里干活了？

VL：(笑)很明显你不可能带着这种相机在大太阳下面拍，这是RED大显身手的地方。但是在室内、办公室、或者其他光线复杂的场合，高清相机更胜一筹。我认识一位有26年拍摄经验的斯坦尼康操作员/摄影指导/导演，在我们使用高清相机拍摄"夜曲"的片场使用好莱坞的高端摄影机拍摄了同样内容，结果明显逊色于前者。前者效果更好，看起来更加真实。他被结果震惊了，那时在完全没有光线的条件下。再次强调一下，如果环境光很好，你完全有更好的选择。但如果光线很糟糕，不如就着便宜用。这些相机能让你在光线更差的条件下拍摄，在过去认为完全无法拍摄的条件下拍摄。但它们并不能让糟糕的光线变得更好。

APE：所以说革新的火苗已经在技术派中点燃，最后将如同野火蔓延至整个行业？

VL：这类相机的出现并未宣告所有相机的终结。它们也存在一些明显的问题。但是除开这些问题，它们依旧很吸引人。我已经数不清我在电视上看到的商业广告有多少是使用5D或部分使用5D拍摄。

APE：让我们谈谈你正在主持的这个比赛吧。第一轮获胜者即将在周六公布。你有一批梦幻评委。你是怎么说服泰坦尼克的摄影指导和星球大战的制片人加入评委行列的？

VL：他们是我在过去一年半时间里认识的人。

APE：参加这种比赛是一个巨大的转变。为什么你们将比赛划分为7个小节？

VL：我无意于开办另一个电影奖项，这类奖项已经太多。我只是想做些尝试，不光是为了推动新技术，还为了释放互联网上社会媒体及创意媒体的力量。让人们以相互关联的7个章节形式参与到这项跨越国界的赛事中，谁都猜不出结果会是如何。我不清楚最终的影片会是什么样子。

APE：确实很酷的想法。你觉得对于那些使用高清相机的静态摄影师而言，未来的路该怎么走？

VL：我想未来几年对于静态摄影师来说一定会非常精彩。一定有不少心思活络的人正等在那儿，他们代表着无限的可能。大家不必生就是一个电影导演。我一点都不担心摄影师们如何适应视频拍摄，如何将自己独特的静态视觉语言转换为视频。我唯一担心的是出版方们会否为其买单。过程中的筹备、拍摄、后期工作至少也要用去过去静态拍摄两到四倍的时间。用到的器材很明显也会更贵。现在我还不知道有什么出版方计划承担这些费用。事实上他们都希望摄影师们既能拍摄照片，也能拍摄视频，但一个子都不愿意多给。但对任何人来说这都不是长久之计，一旦最初的热情劲过了立马就偃旗息鼓。

当摄影师和编辑们理解到这一过程需要多少工作之后，我希望他们能找到重新适应的方式。很显然对于以印刷为主体的经济形势而言这并非易事，但有些问题我们无法回避。我们不可能期待或要求摄影师们拍摄出好莱坞大片般水准的作品，你要知道观众们如果真要看大片也会在自己电视上看，所以我们只需要能拍摄一些足够特别或者足够好的内容抓住他们注意力既可。有一件事永远不会变：那就是人们永远热爱原创的作品，精美的作品。

Vincent Laforet我想大部分人都不会陌生，即便是不关心摄影圈的器材贩子也应该知道他是佳能公司钦点的5D Mk II试用摄影师。一年多前他改行开始玩视频，从那时起就想找机会介绍一下他和他身边的那些事。最近A Photo Editor在博客上对他进行了采访，于是有了上面这篇文章。

BTW，整个vimeo好像都被墙掉了，所以很遗憾大家不借助点手段就看不到Vincent的努力了，不过这并不代表他们不存在。

本文来自Rob Harrart的博客A Photo Editor上的文章Vincent Laforet Goes Beyond The Still，中文翻译经原作者许可，请勿转载，谢谢合作。

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