II

达盖尔法是摄影术第二阶段的第一步尝试，直到1860年前后正负片法高度定型，法国人的风头才被完全改了过去。1870年以后，达盖尔法鲜有问津。得益于玻璃湿板法的出现，十九世纪五十年代是摄影术第二阶段突飞猛进的年代，随后八十年代干办法的出现使其地位更加稳固。随后，基于赛璐璐片基的软性感光材料在二十世纪初叶被广泛应用；三十年代彩色摄影也走上了实用化的道路。所有这一切，都基于达盖尔和塔尔伯特两人提出的银盐潜影曝光原理。虽然现代彩色摄影技术使用了染料，但所有处理步骤同样是基于感光银盐与染料的置换而得以实现。银盐法在没有任何技术上的竞争对手的情况下，执掌摄影术牛耳走过了一段漫长的岁月。

印象法的三种主要工艺与银盐摄影法区别如此之大，这也是我为什么将其划分在摄影术两个完全不同阶段的原因。特别随着摄影术第二阶段干板法在十九世纪末期的出现，拍摄影像渐渐成为了一门傻瓜技术。感光干板和后来的底片一样，可以被大规模生产、制造，放在街边小店中出售。虽然在拍摄后摄影师依旧要利用摄影术第一阶段中提及的那些复杂的方法印象制作最终的照片，但至少已经不再需要在拍摄前自己动手制作拍摄时使用的感光材料。

很快，干板法也被应用到像纸的制作当中，人们很容易从商店里买到这种一盒盒装好的像纸，使用接触印象或放大的方式轻松获得精美的印象。至此，摄影术第一阶段中用到的那些技术彻底和大众脱离了关系。摄影术的第二阶段，放大机开始走入千家万户，摄影师不再需要周旋于瓶瓶罐罐之间，全新的暗房诞生了。

潜影与银盐的方式作为摄影术的第二阶段贯穿了整个二十世纪，其尊崇地位无从动摇。从开始的玻璃干板到后来的底片、相纸，由于制作工艺复杂，渐渐远离了摄影师们的家庭作坊，而人们也开始渐渐习惯到商店中购买。在彩色摄影到来之后的年代里，人们甚至已经不到自己惯于购买的小小胶片已经经历过了多少人的努力，包含着多么复杂的神奇技术。尽管配方精良的染料工艺出现在彩色胶片和相纸中，但和二十世纪其它所有摄影技术一样，银盐的王者地位依旧没有任何改变，染料的使用依旧依赖于银盐曝光的置换工艺。摄影术的第一阶段中提到的技术留在了美术馆和印刷工坊，碳转印摇身一变成为了中间片制作技术，硬化工艺则成为了四色印刷术的基础。如果我们把1900年视作干板工艺大兴的元年，那么到2000年这一百年当中，银盐工艺没有出现任何的挑战者。数字影像尽管已经出现，但在2000年以前，大众并没有意识到这一技术的出现最终有能力对传统影像发起致命的一击。但最终，银盐工艺败在了神奇的数字感光设备与计算机打印输出旗下。

III

摄影术的新阶段–第三阶段由数字感光原件取代了银盐感光材料。用于电信电报的图像感光元件是数字扫描设备的最初雏形，施乐公司在二十世纪四十年代就制造出了以静电原理扫描影像，并且通过适当的处理使用加热头融化碳粉重现影像的设备。随后根据其原理制作的复印机由于方便快捷、适宜办公需求很快风靡开来。

当今的扫描仪已经和施乐最初的设备有了本质性的区别，当时的文件是依靠线性方式逐行从左到右读取数据，而现在则是以二维方式整行复制。扫描仪的革命性进步是用逐行读取的方式慢慢获得数据，这替代了人们过去习惯的相机瞬间曝光方式。最早的扫描仪由一个滚动的扫描鼓构成，扫描文件放置其上并使用专用光源照明，由一个扫描头沿着扫描鼓的方向逐行读取影像变化的明暗信息，这一串连绵不断的信息流最终被截断而再现为二维的图像数据。最早的扫描头读取的是模拟信号，直到输入计算机的时候才进行数字化处理。

彩色影像的复制原理更加复杂，但随着广告印刷行业的转型，其需求也接踵而至。早期的照片复制设备依靠扫描鼓扫描设备，得到电子信号，并进行分色以满足四色印刷需要，再现原稿的连续色调。印刷行业对于彩色照片的需求成为了隐藏在摄影技术第三阶段背后的推动力，第一幅数字影像并非由安装了数字感光设备的相机捕捉，而是由扫描仪一点一点拼出来的。换句话说，扫描仪这种全新的设备，为我们揭开了摄影第三阶段–数字影像捕捉的序幕。

我们常常很武断的把这一阶段视作摄影的数字化时代，而忽略了传统影像在其中的作用，数码文件尚需依靠传统摄影得到的照片而获取。本质上而言，最初的扫描仪依旧是一种模拟设备，但数字化浪潮的兴起很快使其短暂的寿命告终。滚筒扫描仪和平板扫描仪揭开了摄影第三阶段的序幕，但很快电子感光设备也出现在了相机中，取代了传统感光胶片的位置。二十世纪九十年代，摄影的第三阶段终于正式来临，相机已经有能力直接捕捉数码影像，但显示器依旧是当时主要的输出设备。为了满足印刷行业的需要，人们研究了各式各样的复杂设备以求能在胶片上重现这些数字文件。人们对当时已经出现的供建筑行业使用的描图仪产生了兴趣，将其修改为可以输出照片的设备。但整体看来数字影像文件输出的研究依旧远远落后于数字文件采集。摄影术迈入了第三阶段，它需要一件有力的武器以数码的方式，来彻底终结传统银盐工艺所代表的摄影术。

IV

摄影术的第四阶段是一个百花齐放的阶段，建筑绘图仪已经让人们看见了实用染料墨水在纸上重现数字影像的曙光。绘图仪设计之初目的是为了减少昂贵的绘图员工资开销，只能输出单色线条稿；但在二十世纪七十年代，能输出彩色数字文件的绘图仪终于出现。热升华工艺也在这一段时间出现，通过发热融化着色剂使其转印至纸张上再现彩色照片。第三种工艺是将数码文件输出在传统摄影设备上，胶片记录仪是这一类型工艺的代表。而今天，艺术界对于数字文件相纸输出也表现出了强烈的兴趣，因为这一方式得到的结果更加接近传统彩色放大工艺实现的效果。

在这三种工艺当中，第一种脱胎于建筑绘图仪的工艺很快淡出了人们的视野。热升华工艺得到的效果虽然完美，但输出尺寸与介质局限很大。第三种工艺使用激光对传统摄影材料曝光实现，就我看来是一种倒退，这扼杀了摄影术第四阶段丰富的可能性。最终，绘图仪重装上阵，摇身一变成为喷墨打印机，最终扛起了摄影术第四阶段的大旗。

初出茅庐的数码输出能否执掌摄影术第四阶段的帅印还是个问题，但这确实是摄影术上的革命性进展。从摄影术发展的一、二、三个阶段看来，新的工艺最为离经叛道的一点无外乎彻底摒弃了光在摄影中的作用。无论是银盐还是数字感光设备，光始终是摄影术的核心，但数码输出过程中，光的作用只是最后让人眼能够看到照片。摄影术第四阶段带来的是一场全新革命，关于影像的一切内容都隐藏在设备之间用数字记载的窃窃私语背后。我们也许会疑惑，失去了光的摄影是否还如同其名字所说的那样是一门用光线绘画的艺术；但随着几十年探索的步伐，大家都默许了这一传统技术的今日延伸。

Iris 3047打印机是这一过程中的里程碑，这台拥有四个喷嘴的墨水可以输出由水与染料混合而成的四色颜料。承印介质被固定在一个高速旋转的打印鼓上，墨水根据计算机输出的数据信息改变自己的输出方式，可以是点阵、线条或任意变化的抖动纹理，随着分辨率提升，人眼自然会将其识别为连续的影调。Iris打印机第一个种可以在无涂层粗面美术纸上输出彩色照片的设备，从很多方面来看也是最优秀的设备。在摄影术的第二阶段，我们很少提到相纸，而是在谈照片；那时候的影像信息实际并非承载在纸上，而是包含在纸张表面薄薄的一层涂层之中。而Iris打印机输出的彩色照片却是实实在在附着在了手工制造的纯棉无酸纸表面，带来了以前任何彩色摄影作品都无法实现的质感。虽然这样的画面很脆弱，很容易因为潮湿而消褪，但它的美丽却让它迅速抓住了好色者们的眼睛。

Iris打印机的后继者是我们今天常见到的打印机，打印纸移动幅度很小，而喷头不停的往复移动。现在的打印机技术进步很快，墨水更加稳定，分辨率更高，远远超过了老旧的Iris打印机；更重要的是成本也越来越低，以至于现在打印机厂商的理论更多来自于墨水耗材而非打印机本身。现在看来，热升华技术已经过时，而属于摄影术第二阶段的精彩也即将远去，而打印机或许会成为这个时代新的统治者。

从传统银盐工艺过渡到摄影术的第三、第四新阶段的道路并非一帆风顺，计算机影像的出现打破了很多光辉的摄影神话，传统的银盐厂商正在谋求一条新的出路。当然对这一过程感到更加痛苦的，还是那些占据了传统摄影技术话语权的一批大师们。旧的底片带给我们踏踏实实的感觉似乎正为飞快旋转的硬盘中涌动的电流取代，传统的像纸看上去更加稳固可靠但也正在被新的数字输出蚕食。谁说我们一直在强调传统作品的可靠性、可保存性甚至是耐水性等等，但是又有谁会真的没事做把这些作品丢到洗衣机里面去呢？新的摄影技术方便快捷，与时代节奏紧密合拍；新一代的年轻摄影师们很顺利的接受了这种改变；影像行业，特别是商业影像行业也张开了热情的怀抱。当然，我们现在使用的设备还有这样那样的缺陷，或许当有一天技术进一步发展，它们同样会被无情的抛弃，成为明日社会科技进步的牺牲品。

当我们把目光放得长远，将摄影术视作人类社会文明的一部分，那么我们有理由相信它会随着人类社会的发展而前行。在著名的影像保存问题研究专家Henry Wilhelm眼中，拥有165年历史的摄影术其寿命已经大大的超过了汽车和电话，而其中很大一部分时间都由银盐统治。当我们看得更远，将摄影术视作影像制造体系的一部分，那么我们就会发现今天的艺术微喷与三千年前的原始人石刻如出一辙。就此看来，传统银盐影像的统治时间，也不过是短短历史长河中的一片浪花，而等在我们前面的未来之路还有很长。

在我心中，摄影术的发明需要归功于五个人。首先是约瑟夫•尼斯弗尔•尼埃普斯(Joseph Nicéphore Niépce)，他于1826年在硬质沥青上记录下了人类第一张镜头成像照片。在他之后是路易•雅克•芒代•达盖尔(Louis Jacques Mand Daguerre)，在十九世纪三十年代晚期，他使用镀汞的银版记录下了完美的影像。随后是威廉•亨利•福克斯•塔尔伯特(William Henry Fox Talbot)，在1840年左右在纸上使用银盐成像。以上三位都是天才的发明家，但是接下来的两位也同样功勋卓著。希波利特•巴耶尔(Hippolyte Bayard)于十九世纪四十年代发明了纸负片，天文学家约翰•赫歇尔爵士(Sir John Herschel)则发明了硫代硫酸钠定影法，解决了照片的保存问题。

历史并没有把巴耶尔与赫歇尔与早期那些摄影先驱们放在同样重要的地位，但是我始终对他们怀有最高的敬意。我认为巴耶尔是一位真正的摄影艺术家，他的作品实现了摄影作为视觉艺术的表现力；而赫歇尔则解决了银盐摄影迷局中的最后一道难题。尼埃普斯对于摄影的贡献已经渐渐被人们所遗忘，他开创的光硬介质摄影术在随后银盐统治的年代中没有留下一鳞半爪的痕迹。我们记住尼埃普斯，更多是因为他与年轻时代达盖尔的合作，但是他发明的摄影技术从实践角度来说，纯属死路一条。

达盖尔和塔尔伯特是真正让摄影成为可行的发明家。两人工艺的非常之处在于他们都选择了感光银盐，但是他们的实现方式却是截然不同的。达盖尔法不需要印象，就能得到美丽而独一无二的银版照片。但这种美丽的独一无二性也注定了达盖尔法最后的悲惨结局，没有底片也就意味着没有简单实惠的方法大量复制。另外达盖尔法还有一个致命的弱点，那就是无法与自十九世纪中叶以来承载人类文明、创造现代社会的纸张结合在一起。

塔尔伯特的方法基于同样有感光效果的银盐，将其附着在纸张上，置于强烈的阳光下，收到光线直接照射的地方无需曝光就会分解为可见的黑色银颗粒。和需要由潜影冲印成像的达盖尔法不同，塔尔伯特的方法直接使用光能就可以得到照片。不过这样生成的结果明暗关系是完全颠倒的，最亮的地方在底片上最暗，反之亦然。人们很容易就能想到，通过与另外一张可以感光的银盐相纸接触曝光，再次反转影调，就能复制出一幅幅照片。前面提到的赫歇尔爵士将这凉哥阶段分别称为”负片”与”正片”。

大约在十九世纪四十年代，摄影渐渐站稳阵脚，达盖尔和福克斯•塔尔伯特最终同样选择了潜影曝光、冲印成像的方法生成照片。塔尔伯特的方法被彻底改进，最初他的方法依靠光能直接分解银盐成像无需显影，而几年以后他学会了依靠曝光生成潜影而后显影的方法。摄影探索者们渐渐明白了银盐材料的双重性质，对于精心配比的银盐材料而言，可以在较微弱的光线下曝光，随后通过显影得到由银构成的影像；而如果接受成百上千倍的光能照射，则可以直接依靠光线的能量分解为银。最终，潜影曝光成为了相机拍摄的主流方式，这样做可以大幅缩短曝光时间；而依靠光线力量直接分解银盐成像的方式，则成为了照排印刷术的基础。

整个十九世纪，摄影师们不断探索着银盐摄影以外的成像方式，但这些方式通常感光度都不太理想。其中影响最为广泛的是通过光能硬化感光原料的方式成像，如果我们回头看看，就会发现这正是尼埃普斯在发明第一台相机时所走的老路；他当时为了硬化金属底板上的沥青材料，整整用去了八个小时的曝光时间。天生的漫长曝光时间最终宣判了这一图像捕获方式的死刑，但大量光线照射可以硬化感光材料的方式最终成为了印刷系统中的一个环节而重获生机。

就我看来，我们所谓的”摄影”在其诞生的第一个世纪主要顺延了南辕北辙的两条道路发展，第一条道路遵循尼埃普斯和塔尔伯特的早期探索，使用低感光度材料来重现画面；而第二条路则依赖高感光度的银盐材料，将相机视作一种收集潜影的工具，而使画面捕捉更加切实可行。为了强调两者之间的差异，我想将前者称为摄影术的第一阶段，主要由早期的印象工艺构成；而将后者称为摄影术的第二阶段，使用相机来拍摄银盐影像。我们会发现一个令人惊讶的事实，从摄影术诞生之初一直到二十世纪末数码摄影革命的开始，我们记录影像的手段一直没有超出银盐潜影的范畴。

第一阶段的照片主要靠接触印象工艺实现，底片和感光相纸接触在一起，依靠大量光照形成最终影像，这也使得我们可以使用感光度较差的原材料来制作感光相纸。这一方法是十九世纪诸多摄影作品得以实现的根本，这些作品色彩表现、影调还原、材质选择多种多样，但大致上根据感光材料可以分为三类。第一类是感光银盐，第二类是感光铁盐，第三类则是感光硬化材料。尼埃普斯发明的沥青硬化法虽然早已消亡，但却可以视作第三类方式的鼻祖。接下来我们简单谈谈摄影术发展的第一个阶段：

银盐法：这一时期，大部分感光银盐法在产生图像时并不借助潜影阶段，而是依赖于可见光的能量直接将银盐分解为金属颗粒，实质而言和塔尔伯特的第一张照片并无二致。因为使用这种方式拍摄时影像是依靠光能的作用在曝光期间慢慢浮现的，所以也被称为”印象法(Printing Out)”。早期的印象法主要被称为盐印法(Salt Print)，但很快被影调再现范围更大的蛋白印象(Albumen Print)取代。蛋白印象使用蛋清作为黏合剂将银盐固定在基材上成像，随后使用金调色液调增强影调表现与稳定性，并使用硫代硫酸盐定影。蛋白法在1855年至1900年期间盛行一时，根据黏合剂的种类不同，这一方法还有几个不同的名字，例如说”明胶法(Gelatin Print)”或”火棉胶法(Collodion Print)”等，但所有这些方法中成像所用的化学原料都是相同的，而且为了保证影像的保存时间，都采用了类似的金染色工艺。使用黄金作为原料的调色液十分昂贵，根据黏合剂的不同与用量表现为从棕色到紫红到紫色的不同的颜色。底片边缘的黑色部分通常被裁掉或直接撕掉，这主要是为了减少染色过程中的黄金调色液消耗，这是与印象密度直接相关的。

铁盐法：铁盐法中最常见的是蓝印法，这是工程蓝图最常使用的印刷方法，同时也是古典摄影爱好者们最常使用的工艺。蓝印法实施简单，材料便宜，保存时间合理。虽然蓝印法显眼的蓝色调子并没有得到大部分艺术界人士的青睐，但我们依旧可以看到很多优美的作品出现。使铁盐法在艺术圈中绽放异彩的是铂金印象法(Platinum Print)，铂金印象实质是具有感光性质的草酸铁印象方式的一种变形，实际使用到的印象原料可以包括铂金、钯金甚至是银盐，最终的作品拥有完美的表面质感，一流的保存时间与华丽的影调范围。尽管钯金同样是这种方式中主要使用的原料之一，但铂金印象这一名字却早已深入人心。铂金印象一般而言都是中灰色，但也可以根据需要使用多种不同方式调色，色彩范围包括蓝色、紫色和棕色。

硬化法：虽然硬化法摄影鼻祖尼埃普斯使用的是沥青作为原料，但胶质才是后世使用最为广泛的原料。胶质包含的范围很广，供摄影材料使用的主要是明胶、阿拉伯树胶和鱼骨胶。所有这几种原料都可以溶于水，涂刷到承印物上干涸后，使用重铬酸盐作为感光材料。所有硬化法中最重要的一种是碳黑转印法(Carbon Print)，又称碳转印法，长期被认为是所有摄影印象方式中影调表现最为细腻的方法。

A：我是一个传统印刷工出身，最初在伦敦的Petersburg Press从事平板印刷，随后因获得福尔布莱特奖学金而就读于新墨西哥州Tamarind印刷学院，这也是我初次登上美国的土地。 1978年我再次来到美国，在维吉尼亚州理查蒙德创办一个打印工作室，同样还是从事传统印刷行业。第一台个人计算机，Apple II也差不多诞生在这个时候。 作为一名技术工人，我对个人电脑这类新鲜事物很上心，常在商店流连试着玩上几把。当时，Apple II只能显示八种颜色，而且每个像素都有邮票那么大。但我还是产生了一种强烈的感觉，这会成为艺术家的字典里一个重要的工具，因此我时刻关注它们的发展。

1984年，苹果公司推出了麦金托什电脑，这时第一台使用鼠标和图形用户界面的电脑。那时我已经搬到了华盛顿，我成为了麦金托什在这里的第一个买家，一个月以后，我又成为了苹果的开发者，编写了一套剪贴画程序并投放市场。这份开发合同使得我有机会和苹果公司一道紧密合作，使这一新生媒体朝着艺术家们的终极工具方向发展。苹果机的开发速度很快，几年以后就已经可以在屏幕上显示真彩色的摄影作品。但是在当时依旧没有可以用来输出这些图像的设备，于是这成为了我的下一个研究方向。 这段时间里面我依旧在华盛顿的吾尔沃斯大楼的地下室里经营我的印刷工作室，服务对象主要是一些本地客户。想要从纽约或者洛杉矶的老牌工作室手里把那些顶尖艺术家抢过来是一件很不容易的事情。我想如果我可以提供一些全新的富裕，兴许能有些机会，于是我开始研究一些数码输出设备。当时我主要考虑以下几个方面的表现：一是输出幅面；二是色彩表现；三是介质的质量；四是连续色调的表现。

最终我在80年代末期锁定了IRIS打印机。我试着输出了几幅图像，结果看上去很美，但是输出品质并不稳定，而机器的价格更是一个天文数字，贸然上马对我来说实在是一个很大的冒险。几年以后，我听说Graham Nash已经买了一台IRIS打印机自用，于是我给他的打印师Jack Duganne打了个电话，他给了我一个重新审视这台机器的机会，很多问题都已经被解决。我联系了IRIS公司，阐明了我的需求，于是他们让我与他们当时艺术微喷市场销售人员John Cone联系。于是乎Nash、Cone和我如今三足鼎立，其它几个小公司混迹其中的局面在当初就已经埋下了伏笔。 最终我横下一条心买了一台IRIS打印机，并用这台打印机输出了几位客户的作品制作了一个作品集，并于1995年在我自己的画廊举办了一个展览，看看大家是否对其买账。这种先上车后买票的行为现在看来实在是一个冒险，不过还好最终取得了成效。这次展览吸引了很多人参观，其中就包括Henry Wilhelm，他将这次展览视作第一个使用收藏级介质的艺术微喷展。

Q：Close、Dine、Leibovitz、Wegman等等，你的客户名单里尽是一些响当当的当代艺术家。你是怎么样吸引到这么一批顶尖客户的？

A：我的下一个任务就是如何推广这一技术，但是你要明白，我当时的那种举动对于传统印刷行业而言无疑是一种亵渎。在华盛顿邮报刊登了对于我1995年那次展览的评价后，我收到了来自业内最为猛烈与愤怒的抨击。当时，我的Adamson画廊已经走上轨道，当我向艺术馆和其它画廊策展人展示这种新的打印输出作品时，我所面对的是充满不解的敌意。

我意识到唯一打开局面的办法就是寻求高端客户的帮助，所以我翻到了Chuck Close的电话，并和他进行了一次正式会面。Chuck认可了我向他展示的输出作品，并同意我为他输出几份样张。Peter MacGill同样也看到了这些样张，于是他第二天给我打电话为我安排了一场Chuck的人像摄影作品展，所有展品均使用IRIS打印机输出。展览于1996年在纽约的Pace/MacGill画廊展出，很多艺术圈里面说得上话的人都参加了这次展览。这次展出以后，我终于能够有机会和世界上最顶尖的一部分艺术家合作，并和他们建立了私交。 Q：你把Adamson Editions称作“合作工作室”，这是什么意思？你如何与你的艺术家客户合作？ A：我们最终的输出结果是我们丰厚的数码输出流程积淀与艺术家视觉及理念的碰撞。这样的碰撞时输出必不可少的环节，也是我们合作的基础。

Adamson的助手John Hugh正在进行Chuck Close自拍照装裱前的最后准备工作

Q：有不少人把你视作当今世界最顶尖的数码输出专家。客观来说，你觉得是这样的吗？为什么？

A：我想我的传统背景十分重要。我可以和艺术家们以相同的方式交流，而他们十分看重这一点。他们相信我的眼睛与判断。我想这不光关乎技术，同时还关乎他们从中获得的心理感受。

Q：你的工作室设在华盛顿这对你的工作开展是否有所帮助？你觉得工作室的位置是否会对一个打印输出者的工作开展构成影响？

A：这么说吧，有很长一段时间我都觉得我是不是应该搬到纽约去。不过和我一起工作的不少艺术家都愿意从纽约跑到华盛顿来，觉得这样可以让他们远离大城市的纷扰专心工作。这让我最终意识到我还有很多未尽的事业，而我身边已经聚集了一群最顶尖的艺术家，从这里搬走也许反而会威胁到我现在所取得的一切成就。

Q：你现在的设备有哪些？你方便给我们透露你工作室的基本配置以及雇员情况吗？

A：工作室现在离Adamson画廊不远，从计算机操作和扫描间设在一个可以俯瞰画廊的LOFT，打印输出车间和发货车间离画廊也很近。工作室里有三台主电脑，两台1.8G双核Mac G5，一台500M双核Mac G4。一台G5配有23寸苹果液晶显示器，另外一台G5和G4使用的是LaCie 19寸CRT显示器。我们的扫描设备包括一台Creo Eversmart Supreme平板扫描仪和一块 Phase One FX 4×5扫描后背，搭配翻拍机或星座4X5座机使用。两台相机均使用施耐德镜头。永智连接一台500M双核G4使用，菲斯后背连接的则是一台450M G4老爷机。

所有电脑均安装OSX Panther操作系统，但那台连接菲斯后背的那台电脑因为驱动原因不得不使用OS 9，所以我们觉得这台老爷机和扫描后背正好搭配。另外我们还有一台戴尔服务器用来存储数据和管理网络。坦白说，我我搞不懂网络上那些来来去去的数据，所以我们专门找了一个技术人员进行维护或帮助我们解决问题。

打印设备一直都在升级，目前我们有两台IRIS 3047和三台全新的IXIA，也就是改进版的IRIS 3047。其中三台使用IRIS Equipoise墨水，另外两台使用AIJ Pinnacle Gold II墨水。我们还有三台爱普生9600打印机，两台使用粗面黑打印带涂层的水彩画纸介质，另外一台使用光面黑打印爱普生相纸和油画布。最后是一台输出幅面高达60英寸的Mimaki JV4-160打印机，使用Mimaki宽色域六色颜料墨水。

根据输出任务的不同，我们使用不同的RIP系统驱动这些爱普生和Mimaki打印机，不过使用最多的主要是Ergosoft的PosterPrint。我们使用一台戴尔电脑驱动爱普生和Mimaki打印机。所有的IRIS打印机和IXIA都配有自己专用的苹果电脑，使用IQ Pro RIP输出。

我的继子John Hugh、Bryan Whitson协助我处理客户工作，Wade Hornung负责操作和维护打印机，同时也处理大部分邮寄订单。

Adamson在Chuck Close的工作室里和他一起检查小样

Q：你手上最常见的输出活是什么样的？你是否接到过一些奇奇怪怪的活？如果有，能不能给我们说几个。

A：大部分艺术家送过来的都是负片、反转片、印刷品或者别的什么东西，经过扫描校色后我们将小样寄送给艺术家。艺术家根据小样和我们讨论下一步的修改或调整流程。然后我们重新制作小样，直至他们满意，制作最终的输出作品。 还有些时候有些人会想出一些非常奇怪的点子，来听听我的专业意见与建议，看看能否实施。通常他们都能满意而归。我给你们举几个例子吧，例如说扫描Chuck Close镜子一般的达盖尔法摄影作品；扫描Jack Pieson 84X48英寸或84X96英寸的巨幅作品，扫描Adam Fuss带来的蝶蛹或蚕蛹。最后一样对我们来说确实是一个巨大的挑战，因为它们还是活物，而扫描仪的热量会让他们惊醒。因此我们不得不时不时地跑上跑下让它们在冰箱里面安静一下，以免他们真的破茧而出。

Q：你最想要而没有买到的设备是什么？市面上是否存在你所想要的完美打印机、RIP软件或工作流程？

A：市面上我唯一想要而又没有买到的商品是德国的Cruse平板扫描仪，扫描幅面高达6X10英尺。 "I speak the same language as the artists, and they relate to this. They trust my eye and my ideas."

Q：你最新的项目是什么，下一个项目又是什么？我知道你有一个巨大的回顾展正在筹备之中，能和我们谈谈么？

A：我们刚刚为Chuck Close制作完成一本漂亮的手工书，并为Adam Fuss在纽约Cheim & Read Gallery的作品展及Jim Dine的回顾展成功输出作品。 05年6月，我们的工作室将在巴黎的摄影博物馆举办一次回顾展，我很高兴我们的回顾展能够选在这样一个美丽的博物馆举行。

Q：能最后给那些有志于从事高品质艺术微喷的人们说两句吗？

A：这一切需要对于客户的奉献精神、对于完美的探索精神，探索求新满足客户的一切需要。而一切的关键在于：耐心。

我想不少看过我博客的人都知道我对于艺术微喷的兴趣，一直都在关心这个行业内的动向。昨天看到华盛顿邮报上，为FotoWeek D.C.而应景所做的一篇关于David Adamson的访谈，没有细看内容就动手翻译了，写完了以后实觉隔靴搔痒，于是把他在DP&I上的一篇老访谈翻了出来。对于这个行业的访谈向来不多，这一篇算是其中比较有价值的。

David Adamson是一位58岁的英国佬，是数码输出的变迁之路的活化石。作为一名顶级输出师，他的服务对象包括Annie Leibovitz、Edward Burtynsky、Chuck Close等著名摄影师。

25年前，他在华盛顿摸到了他的第一台麦金托什电脑，据他说，这台电脑还是在一家海克斯(Hecht’s)连锁商店的吸尘器专柜买到的，用的是他做丝印赚来的钱。当时的他，从未想到这一切即将给他未来带来的变化。

即使在那十年之后，Adamson已经成为世界上最顶尖的一批艺术微喷专家，他也从没有想过这一技术会在今日飞入寻常百姓家。他的第一台数码打印机，采用复杂的Iris技术，花了他十五万美元之多，而他之后服务的一系列摄影大师，为他赚回了票价。他最初的一批客户包括：Chuck Close、Robert Rauschenberg、Kiki Smith、Jenny Holzer和Annie Leibovitz。这些明星摄影师们，至今依旧是他的客户，直到现在还是会偶尔去他在华盛顿的Adamson Edition工作室去看看。"在当时，我们是这附近，这个国家，唯一能干这活的人！即使这些摄影师们早已走上神坛，但我想我做的一切依旧能使他们更加耀眼。"

你觉得数码摄影最大的好处是什么？

我们都经历过一和胶卷36张底片的时代，拍摄每张照片前你都必须仔细斟酌，不少人认为这其实是件好事。但换个角度来思考：如果你一次能拍摄上千张照片，那么你的拍摄就不会再受到限制，你可以回到家中精心编辑，从中挑出最优秀的作品。拍摄时停步思考，也许会打断你创作的激情，这是我的想法。数码摄影最大的优点就是你可以拍摄成百上千张照片，回到家中等待闲暇时间慢慢挑选出自己觉得最好，或者最意外的照片。

那么数码打印最大的优点呢？

数码后期允许你精确到像素级别对图像进行调整，控制敏感、反差和锐度等等。照片的控制权完全把握在自己手中。

你觉得数码打印最常见的问题是什么？

处理过度–在你有条件控制一切细节的情况下，就有些人开始变得忘乎所以。图像就在一遍遍的增光减光、模糊锐化之中每况愈下，最后带上浓浓的数码味。

现在修片是否越来越多？

我们已经走过了"啊，我可以在这里放个人"或者是"我不喜欢这张照片里她的脑袋，但身体还不错"的时代。我想大家对于摄影的态度已经变得越来越真实，只是在及其必要的时候才进行调整，处理或拿掉一部分画面内容。大家更加忠实照片原本的样子，我已经很少看到那些拼接痕迹明显的作品了。

既然现在每个人都可以在家里自己打印作品，那么你担心失业吗？

我还记得我第一次在维也纳看到爱普生的打印机，大概还是2002年的事情吧。那时我这儿有五台Iris打印机，加起来大约七十万美元的样子。没有人会在这上面砸下这么多钱，谁能有我这么狂热？结果放在我面前的打印机，输出能力明显胜过了Iris，幅面更大、效果更好。过去我们在Iris上基本上要打印三张才能选出一张满意的，而这些机器能够连续不断的重复这种优秀效果，每台仅售七千美元。当时我想"完了完了，我该关门了。大家看到这些设备，不会再有兴趣来我的工作室了，等到他们一人买了一台设备，我也就该关门了。"

但过了不久，我发现这样的悲剧并未发生。人们意识到如果不是每天打个不停的专业摄影师，添置一台打印机并非那么经济划算，还是找个干得更完美的人带刀更加舒坦。而我真正在乎的那些艺术家们，例如说Chuck Close、Jenny Holzer、Roni Horn这些人，他们每天都在忙乎自己的事情，哪里还有心思在自己工作室里面加两台打印机。他们更希望有人帮他们把这些事情搞定，而他们相信我的眼睛与能力。

喜欢的后期处理软件：

使用Adobe Creative Suite 3进行比较复杂的处理，其中使用的较多的是PS和ID，使用LR 2完成主要的工作流程及调整曝光，使用Painter X模拟真是艺术作品的效果，使用Luma PIX制作相册、年历、贺卡等等，使用VMwave Fusion虚拟机运行XP、Luma PIX和Fundy SOS这款婚纱相册制作专用插件。

喜欢的插件、脚本或动作等：

Imagenomic Portraiture：我用过最好也是最快调整肤色与磨皮的软件。

Imagenomic Noiseware：最好的降噪软件。

OnOne Pro Tools：全世界最好的图像编辑工具，我尤其喜欢其中的Photo Tools Bleach Bypass和High Pass Sharpening两款滤镜。

渐变灰滤镜：除了锐化以外，渐变灰滤镜是我最常用到的工具，我用它压暗天空、水面等等。

你有什么使用滤镜的心得可以与大家分享吗？

使用滤镜时，将效果保持在比你觉得足够的效果之下一点点。学习如何锐化图像，锐化操作比你想象的复杂，失当则会毁掉你的整张照片。高反差锐化是最好的方式。学习如何在Lightroom中控制锐化蒙版，这一锐化方式可以给你足够的细节。在锐化的时候，别忘记将照片放大到100%。一个月花上17美元在kelbytrain.org上学习，Matt Kloskowski会带给你关于LR方面最好的资讯。

拍摄心得：

即使你是一位经验丰富的摄影师，把一台新相机拿到手上以前最好还是看看说明书，你肯定能有所获益。注册一些与摄影相关的论坛，多多发言，总有一些东西是你不知道而需要学习的，或许一些只言片语的信息会成为你某天工作时无价的助力。

你现在还使用胶片吗？

嗯，柯达Porta 160VC。我在拍摄人像的时候，通常也提供胶片拍摄的服务，有些客户喜欢胶片的质感，愿意为此出大价钱。我也会偶尔玩玩宝丽来。

你如何输出自己的作品？

BayPhoto和MPIX

你的装备：

摄影：Nikon D70s, D90, D300, Nikon 17-55mm F/2.8, Nikon 11-24mm F4, Nikon 50mm F1.8, Nikon 17-55mm VR, 4 Nikon SB800 flashes, Nikon SU800。

电脑：MacBook Pro 6GB RAM, 250GB硬盘(外拍)，Mac Pro双四核电脑，10GB RAM, 4TB硬盘(工作室) 戴尔24寸液晶显示器，Canon MP950一体机，Epson 4990扫描仪。

Anthony Tortoriello是一位芝加哥的商业摄影师，主要进行宠物、运动、事物与肖像方面的拍摄业务，作品广泛刊登于世界各地的出版物。Anthony是色彩处理方面的专家，经常性为美国的顶尖摄影师提供数码技术方面的咨询服务。他师从顶尖色彩专家Dan Margulis学习色彩理论，同时还是一位专业的修图师。

喜欢的后期处理软件：

基本上所有和摄影相关的软件我都很熟悉，不过我的大部分时间主要花在Phase One公司出品的Capture One Pro及Photoshop上，前者主要用来应对RAW工作流程，而后者则是我的饭碗，偶尔我也会使用Lightroom。

喜欢的插件、脚本或动作等：

onOne软件套装：其中我觉得Genuine Fractals Pro和Photo Frame Pro最为实用。

Photomatix Pro：我用这款软件处理HDR效果，或配合执行我自己编写的一些复杂的锐化或色彩增强动作，这十分对我的胃口。

你有什么使用滤镜的心得可以与大家分享吗？

少即是多。滤镜放在那儿并不是给你用的，只是在你需要的时候提供帮助。当然没事干的时候你可以玩玩，但如果你的工作是让一幅平庸的照片变得鲜活，最好还是注意合理的使用滤镜。

诚然市面上的色彩增强软件、降噪软件等不在少数，但如果你自己对PS有深刻的理解，能够不依赖于这些软件，那才是最靠谱的。PS是我们的数字暗房，我们没理由轻视其作用。

我觉得大家可以把PS当作是一个电子游戏，当照片达到了最好效果，也就是你通关的时候。为了过关，你应该多多尝试一些不同的方法，例如说在不同的通道上使用滤镜。

摄影心得：

我一贯坚持在能拍的时候尽量多拍，如果相机在你手边，那么就不要担心别人怎么想。就像摄影师Jay Maisel曾经说过的那样，我们只有每天不停拍摄，才能保证我们的摄影水平始终处在最佳状态。

你现在还使用胶片吗？

我已经有很多年没有碰我的胶片相机了，无论从那个方面来看，我都不认为我还有什么理由继续使用胶片相机。

你能不能告诉我们如何让输出作品更好的与屏幕显示匹配？

首先使用i1 Display这类设备校准显示器，确保其色彩、亮度准确无误。熟悉自己常用软件中的输出设置，拿Photoshop为例吧，就要关掉打印菜单中的色彩管理选项，避免打印时进行二次色彩管理，同时正确选择纸张对应的特性文件。当然，我们要注意的内容还有很多，这只是万里长征的一小步。

你如何输出自己的作品？

我使用爱普生4880和3880打印机输出自己的作品，如果尺寸更大，我会找芝加哥的一家本地打印社JS Graphics。

你的装备：

摄影：Nikon D3x, Nikon D3, and Canon 5D Mark II。常用的镜头包括，Nikon 14-24mm f/2.8, 24-70mm f/2.8, 70-200mm f/2.8, 200-400mm f/4, 105mm f/2.8 micro, 16mm f/2.8 fisheye和50mm f/1.4G，C家的配置与之类似。平时出门我会在身上带一台G10或者G11。

电脑：工作室，8核Mac Pro，16GB DDR3内存，4TB内置硬盘，20TB外置硬盘，30寸Apple显示器和一台22寸校色专用显示器，以及我工作时不可缺少的影拓4手写板。外拍：Apple 17寸MacBook Pro，8GB内存。

Michele Wortman从事摄影职业已有十多年的历史，微距摄影是她的最爱。她同时也给自己的纹身客户拍摄影棚人像。她的摄影作品曾多次出版。

喜欢的后期处理软件：

PS CS3。当然我也很喜欢使用Aperture直接将照片不经过存储卡直接传输到电脑。你可以直接在屏幕上看到自己的作品并作出相应的调整，这比过去用胶片好多了。

喜欢的插件、脚本或动作等：

我用的滤镜并不多，常用滤镜都是PS里面自带的滤镜。我一般不会对原图进行太多调整，尽可能保持拍摄时的自然状态。一般来说我首先使用色阶，然后使用可选颜色调整色彩平衡。同时我会根据需要使用套索工具选择区域执行不同程度的锐化。我一般使用路径工具抠图。我坚信，数码后期并不需要太多。细微得当的调整就已经可以改变一张照片的效果，但如果做得过多反而会让照片看上去很假。

摄影心得：

相信你自己的感觉，拍摄你自己感兴趣的东西，它们是你画面的主角。

你现在还使用胶片吗？

没有，数码摄影已经满足了我的所有需要，而且我也懒得去继续扫描及除尘。

你如何输出自己的作品？

如果是作品集中的作品，我会选择爱普生R1800打印机。如果我想要展示我的作品，有时我也会选择半透明的灯箱片。

你的装备：

摄影：Canon EOS 5D，Canon EF 24-70MM, Canon MP-E 65MM, Canon EF 100 MM lenses。

灯光：Calumet travelite 750，Nova 32柔光箱，Canon 540 EZ闪光灯。

电脑：一台MacBook Pro 2.5GHz Core 2 Duo，4GB RAM；一台iMac，Intel Core Duo 2GHz，2GB RAM。MyBook Essential edition 1TB外接硬盘和装有四块 Seagate 7200.10 500GB硬盘的Burly 4 Bay Firewire Enclosure。

大部分摄影师现在也意识到，数码后期编辑是一件同样重要的技巧。我们邀请了六位摄影师向我们展示他们最爱的影像处理软件、插件，以及他们最常用的编辑处理技巧。

Lucas Gilman热衷于人迹罕至之地，他的镜头从印度的独木舟，一直拍摄到南美雪线之上。他的作品经常刊登在国家地理、体育画报、ESPN杂志及网站、户外、男性健康、男人帮、今日美国、纽约时报等杂志上。他还赢得了2008年美国摄影杂志年轻摄影师奖。

喜欢的后期处理软件：

我的大部分后期处理操作在Lightroom 2中完成。我通常使用PS CS4处理画面中的细节，还会根据需要选用Nikon Capture NX处理部分图片。

喜欢的插件、脚本或动作等：

Nik Viveza：无需蒙版操作就可以使用这款滤镜获得惊人的色彩与反差效果，即使拍摄现场的光线环境很糟糕，也可以使用这款软件简单的拖动几次滑块或点击，就得到不错的照片。

Nik Silver Efex Pro：业内最好的黑白转换滤镜，提供了完美的全面控制，满足你的创意需求，而无须在PS中耗费大量时间进行图层或蒙版操作。

onOne Genuine Fractals：可以让我根据自己的需要随意调节画面尺寸。

在Nik系列滤镜中，你使用最多的是哪一款？

我比较喜欢其中的Brilliance and Warmth滤镜，这款滤镜可以提升画面色温与饱和度，得到悦目的图片。Tonal Contrast也是我喜欢的，可以让我精确调整画面多个区域的反差，而不需蒙版操作。使用Nik Silver Efex Pro时，我喜欢逐一尝试其中的每一种胶卷设置，控制照片的颗粒、反差等种种细节。

滤镜心得：

多花些时间查看不通滤镜的效果，你会惊讶于这些不同滤镜所能带给你的创意与想象空间。

拍摄心得：

首先寻找合适的画面背景，然后等待所要捕捉的对象进入画面。如果光线很好，别忘了多拍几张。在第三世界国家拍摄时，注意个人卫生，如果你没有病倒在床上，拍到好照片的机会会更多。

你如何输出自己的作品？

printroom.com

你的装备：

摄影: Nikon D3X, Nikon D3, Nikon D700, Nikon 14-24mm AFS f/2.8 G ED, Nikon 24-70/2.8G Autofocus-S, Nikon 70-200 mm f/2.8G ED-IF AF-S VR Lens, NIKON 300mm AF-S VR f/2.8G IF-ED, Nikon AF-S Teleconverter TC-17E II, Nikon 400mm AF-S VR f/2.8 IF-ED, Nikon SB900 speedlights, Honl professional Light Modifiers。

备份与图像处理: 16GB Lexar Professional UDMA 300x CompactFlash, Lexar Professional UDMA FireWire 800 Readers, DroboPro (工作室), Western Digital MyPassport Studio Edition 500 GB DRIVES (外出)。

电脑: Mac Pro 8-core 3.0GHz Intel Xeon + 8GB Crucial RAM (工作室), MacBook Pro 2.4GHz 4GB Crucial RAM (外出)。

David Schloss是Aperture用户协会和MacCreate.com站点的主席，玩摄影已经超过二十年，主要拍摄内容包括运动、旅行、纪实与微距。他写了两本关于摄影的书，同时还在世界范围内进行摄影教学。

喜欢的后期处理软件：

我95%的图像处理操作都是在Aperture中完成，偶尔我也会使用PS CS4、AI CS4和Painter等软件。

喜欢的插件、脚本或动作等：

Nik Silver Efex Pro：这是目前为止最棒的黑白转换工具。

Imagenomic Portraiture：在无休止的商业人像润饰工作面前，Portraiture无疑是上帝送来的天使，其选择性润饰功能无需复杂的蒙版，就能自动分辨出面部纹理与须发，并进行适当的修饰处理。

Noise Ninja：降噪软件的业内标准，减轻图像噪点没有比这款软件更轻松更简单效果更好的了。

使用Nik Silver Efex Pro时，你最喜欢其中的哪一种效果？

我希望使用这款软件获得与传统黑白暗房中类似的颗粒效果，这款软件模拟经典的1600高感光度胶卷颗粒的效果十分棒。尽管黑白高感光度胶卷的有些特质依旧是这款软件无法复制的，但至少它让我重新找到了暗房中的乐趣与艺术感。

滤镜心得：

数码滤镜就如同佐料，适当的操作可以给好的作品锦上添花，但如果使用过度则会喧宾夺主。但没有任何滤镜可以挽救一幅失败的作品，所以关键还是在于拍摄环节。

你有什么使用Aperture的心得可以与大家分享吗？

滥用滤镜，几乎成为了上世纪九十年代"数码艺术"的代名词，大家热衷于使用电脑模拟传统反转负冲或褪色等效果，很多摄影师只是把相机拍摄的照片当作创意处理的一个跳板。这样的观点没错，也诞生了不少看上去很美的作品，但是现在看来也许我们已经做得过分了。

Apple Aperture的诞生，意味着我们重新把焦点放在了如何拍摄好照片上。我首先力图拍摄到完美的作品，而后期只是为了让画面效果更接近我拍摄时的所见所感。因此，滤镜对于我的作用是如何使照片更加贴近现实，或者说至少是我感受到的现实。

Aperture中强大的选项是我可以实现很多过去通过滤镜才能实现的操作，色阶、饱和度、局部反差、锐度等等。我在其中处理完照片后，如果还需要一些额外的滤镜处理，仅仅只是为了给照片打上我的风格印记，例如说使用Silver Efex Pro将照片处理为黑白。Aperture本身并不能完美的模拟传统胶片的效果，但可以允许我将一幅照片使用滤镜进行额外处理后回到Aperture中进行管理，就好比我过去使用同一底片制作几个不同版本一样。

拍摄心得：

关于摄影，我听到最好的一句大白话来自摄影师Jay Maisel，"你要是没相机，那是拍不了照片的"。我从父亲，一位商业摄影师身上，学到了另外一点，忘掉相机的自动功能，多多使用手动操作，根据感觉调整光圈快门，测光表只是为了验证你是否能正确分辨画面中的明暗。这给我留下了一个后遗症，我看东西总是习惯性首先判断其对应的曝光值。我打开台灯开关也不忘了算一下，这么做室内光线又亮了几档。对于拿相机的人来说，这是个好习惯。

你现在还使用胶片吗？

2002年以后，我再也没有拍摄过胶片。数码摄方便、快捷、环保，完全扫除了一切我需要使用胶片的理由。

你如何输出自己的作品？

在家使用我自己的惠普B9180和Z3100输出。如果我需要装框的作品，我也会使用ImageKind.com提供的服务，他们做得很不错。

你的装备：

摄影：Canon 1Ds Mark III, 5D Mark II, Nikon D3x。数不清的镜头，最常用的是Canon 50mm 1.4, Canon 65 1x-5x微距镜头，以及Nikon 14-24mm f/2.8。

电脑：我的主力电脑是一台16G内存的8核Mac Pro，连接了我的打印机，Drobo Pro存储器、双30寸液晶显示器和影拓手写板。

Tony Sweet在当了20年爵士音乐家后，决定将自己的艺术创作重心转移到自然风光摄影。他的摄影作品被广泛应用在年历、贺卡、海报、明信片、公司年度报表及产品目录中。他在北美开设视觉艺术摄影课堂，并多次进行题为"美国专业摄影师"的讲座。同时，他也是Nikon World杂志的特约作者之一，并已经出版了四本关于摄影艺术方面的著作。还曾经获得由盖蒂图片社颁发的"尼康传奇人物"奖。

喜欢的后期处理软件：

我使用Aperture完成作品集处理，同时我也会使用PS CS4。

喜欢的插件、脚本或动作等：

Nik Color Efex Pro:：我特别喜欢其中的Darken/Lighten Center滤镜，能强化图片的空间感。

Nik Silver Efex Pro：转换黑白

LucisPro：我使用这款软件给照片添加HDR效果

AlienSkin Snap Art：实现水彩、油画等传统绘画效果

Topaz Adjust：根据需要调整照片的曝光

你有什么使用滤镜的心得可以与大家分享吗？

勤学苦练是王道。如果你对滤镜不熟悉，就没有办法预见使用滤镜的效果。使用滤镜之前，一定要记住在原始图层的复制图层上操作。这手操作在转黑白时特别有效，可以用来控制画面中色彩的混合程度。使用调整图层工作，而非直接操作原始文件。熟悉自己使用的软件，会给自己带来更多的创意与调整选择。

拍摄心得：

孤立主体，简化画面。

你现在还使用胶片吗？

没有了，完全不需要。

你如何输出自己的作品？

使用我自己的爱普生7900打印机。

你的装备：

摄影：Nikon D3X, 14-24mm, 24-70mm, 70-200mm, 105mm macro, Lensbaby。

电脑：MacBook Pro, 8G RAM, 320GB HD, 4TB外置硬盘, Epson 7900打印机。

2. 使用拖放操作直接发布到网站
现在在LR3中，可以通过拖放操作直接将Lightroom中处理的好的图像发布到Flickr等图像网站中，或与iPhone等设备同步。

3. 专业级降噪设置
降噪处理一直是Lightroom的软肋，但是LR3中的降噪毫无疑问达到了专业级标准，不输给任何对手。而且LR3中进行降噪处理的最大优势是，整个流程是基于RAW文件的。

4. 内置胶片颗粒效果
这是大家长期以来翘首以待的功能，现在LR3直接将其集成。

5. 更好的暗角效果
LR3中为裁切后照片添加暗角的效果得到了很大改善，看起来更加自然。更重要的是，LR3还提供了两种不同的暗角混合模式。

6. 导出幻灯片支持背景音乐
现在，使用LR导出的幻灯片终于支持背景音乐了，而且还能与歌曲长度自动适应。现在，在电脑上播放幻灯片时，终于不用首先打开播放软件了。

7. 改善的水印效果
现在你可以根据自己的需要，在网页图像或打印图像的任何位置放置水印，并随心所欲的调整尺寸与不透明度。

8. 自由调整输出照片的位置尺寸
在全新的自定义照片包打印功能中，可以自由调整照片在页面中的位置与尺寸。

9. 可以改变输出时的背景颜色
现在，你可以在输出照片时，调整照片的背景颜色了。(原文中Scott Kelby加了一句，I know it sounds like a little thing, but it’s big，不过我还真不觉得这一点怎么big了。)

10. Collection模块现在也集成到了Develop中
这点改进可以极大提高你的工作效率，因为你再也不用在图片选择界面与调整界面中来回跑了。

via Scott Kelby, Breaking News: Adobe Releases Lightroom 3 Public Beta

LR 3使用了全新处理引擎及算法，改善了锐度与噪点表现，同时速度也有不小的提升。我个人对于LR不是太感兴趣，之前用过几次，虽然印象非常的好，但是不太适合我这种一张照片至少要用十个图层解决问题的人。不过对于普通的数码摄影师而言，毫无疑问这是一款强大而实在的工具，特别是增添了很多新的局部调整工具后。

对于新功能介绍比较详细的两篇文章来自Scott Kelby及Lightroom Queen。

Computer Darkroom已经放出了一篇像模像样的评测，老实说我都不知道这个用HTML写出来的站点如今还在保持更新，虽然我承认他们之前的文章写得确实非常的好。看过评测以后，我对他们新的暗角工具产生了比较大的兴趣。

时光飞逝，随着千禧年的到来，那些曾经一度困恼着数字输出的问题已经大多被解决，传统彩色输出中的巅峰代表–富士晶彩相纸(Fuji Crystal Archive)的地位终于被Iris打印机所取代。Iris打印机在多种纸张上输出的作品都已经能够达到75年以上的展示时间，而当时人们认为富士晶彩相纸输出作品的展示时间只能达到60年左右。(最近的最新数据表明富士晶彩相纸的展示年限实为49年)。其他很多大幅面打印机厂家，如Encad、惠普(HP)、罗兰(Roland)、Colorspan等，也都各自推出了保存时间更长的解决方案，其中有些解决方案的展示保存时间甚至超过了200年，遗憾的是这都不适用于影像输出行业。这些打印机也许更适合用来做艺术品复制，而不是顶级的摄影作品输出。就在Iris打印机的作品保存问题看上去已经彻底解决的同时，高端输出市场出现了一批新的竞争对手。这批打印机来自爱普生公司，同样也能以超高分辨率输出影像作品。尽管爱普生公司的打印机色域表现非常优异，但遗憾的是其使用的染料墨水保存性非常令人失望。爱普生很快就注意到了这一问题，在接下来的三年时间中潜心钻研，最终开发出了一款宽色域颜料墨水，展示时间达到了85年之久。

我们在爱普生长岛办公室和爱普生进行了第一次正式会晤，负责接待我们的是负责Epson Stylus Pro 9000的产品经理马克•拉度纳(Mark Radogna)，格拉汉姆请马克输出了一幅输出了一幅我们带来的黑白影像文件。结果非常令人失望。看惯了Iris输出的影调优美过渡自然的作品，我们眼前的作品不过是一幅灰蒙蒙、发绿的单色照片而已。很显然，这台打印机使用的墨水的色彩纯度并不高，不过就我们使用Iris打印机的经验来看，这个问题是可以解决的。马克和爱普生公司一直宣称他们在改进他们的输出技术，最大程度满足客户需求。事实在我们坚持使用Iris打印机的十年时间里面，出现的能真正对艺术输出市场起到改变、促进作用的软件和硬件屈指可数。尽管那一天我们并没有从爱普生公司得到关于黑白输出方面的官方回复，但是我们知道，如果爱普生真的向他们所说的那样在认真听取来自摄影圈的声音，那么肯定会有专门的黑白输出模式在默默的研发过程之中。这是一家能够真正对用户反应作出回应的公司。我们对此很欣慰。我从来不觉得Iris公司有关心过我们任何一点。

在我们拜访爱普生公司一周以后，一台Epson Stylus Pro 9000的样机寄到了Nash Editions公司。我花了几个月宝贵的空余时间测试这台机器的彩色与黑白输出性能，最终得到的结果还是相当令人振奋的。和使用Iris相比，使用爱普生打印机简直是一种享受。没有必要每天早起，花上几个小时去维护打印机、清洗喷嘴、重新定位。爱普生打印机的全部维护不过是每天早上花上三分钟执行一次喷嘴检查而已。我当时迷上了这台机器的先进技术，以至于完全忘记了它使用的染料墨水非常容易褪色。我使用这台打印机输出了一些彩色和黑白色卡，并将其至于我们的紫外光加速老化实验室中，看看高能紫外光会对其所使用的染料墨水造成什么影响。很快我就意识到，虽然我已经可以使用9000的染料墨水输出非常自然的黑白作品，但由于保存时间的问题，我并不能让我的客户使用这种方式。我们工作室很快就这一点达成一致，既然我们的Iris输出彩色作品已经可以和传统彩色作品别无二致，那么我们就没有必要再提供另一种保存时间要短得多的输出方式。

2000年3月，我们收到了一台Epson Stylus Photo 2000P打印机，这台打印机使用全新设计的颜料墨水，据说展示寿命可达200年。如果这个数据是真的，那么这将成为墨水科技发展上的一次出乎意料的重大飞跃。就在我们开始测试2000P的时候，另一款新的大幅面颜料墨水打印机Epson Stylus 9500也送到了我们工作室等待测试。和9500一起送到工作室的还有一封信，爱普生公司在信上表示，希望我们使用9500打印机为爱普生的一次影展”美国细节(America in Detail)”输出一批作品，作品来自摄影师斯蒂芬•威金斯(Stephen Wilkes)。美国细节这次影展的主要目的是为了向美国公众介绍爱普生艺术品输出级颜料墨水及打印机。影展预定2001年1月19日纽约开幕。

我非常期待这次的影展。我发现我总是在有人拿枪比着我的脑袋的时候，做事情最有效率。我很快就在几个月时间内完成了设备的调试，以便腾出足够的时间等待威金斯把作品送来扫描、校样。影展作品中包括几张黑白摄影作品，经过一系列尝试以后，我得到了一张暖调的黑白作品样张，我差点以为那是一幅打印输出最高工艺的范本。可惜我只看到了开头，却没有猜到结尾。当我把这幅打样带到室外以后，我看到了让我永生难忘的一幅场景。我手中的作品瞬间变成了丑陋的青绿色，我当时就震惊了。由于作品的前后反差太大，我一时之间还以为自己拿错了照片。于是我成为了第一批给爱普生打电话咨询其艺术品输出级颜料墨水同色异谱现象的用户，我毫不怀疑今后他们会接到很多类似的电话。同色异谱现象表示的是两种颜色样本在某一光源下表现一致，而在其它光源下表现不同的现象。9500的所有输出作品都或多或少的存在同色异谱现象，在单色作品中表现得尤为突出。我非常失望。我们一直以来非常重视色温对于色彩感知的影响，从这次事件之后，我们对此重视大大加强到了谨小慎微的地步。

在我出席2001年赛博(Seybold)印刷行业研讨会的时候，我看到了几幅由爱普生公司工程师输出的一部分全新样张。这是我第一次从官方渠道确认爱普生正在为黑白摄影作品输出研究专用的解决方案。尽管这一消息令人振奋，但是少数几张测试样张根本无助于解决我迫在眉睫的问题–美国细节摄影展中黑白作品的输出。最后我们不得不选择了严格控制展览现场的灯光的方式来保证展出效果。爱普生对这一问题十分重视，不过他们并没有太多解决方案，而且这些方案也没有起到实际效果。2001年，爱普生更新了7500/9500打印机的驱动程序，新驱动程序确实减少了同色异谱现象，代价是图像的输出质量出现了明显下滑。

2002年春天，在我们开始测试Epson Stylus Photo 2200打印机的时候，我们又看到了新的希望。这款打印机使用了爱普生公司全新研发的世纪虹彩(UltraChrome)系列颜料墨水。这套颜料墨水色与表现可圈可点，几乎达到了与染料墨水相仿的程度。另外，在这套墨水中还加入了一支密度较低的黑色墨水，淡黑墨，这支墨水的加入有助于提高打印机输出作品的灰阶表现和渐变过度。黑色墨水被分成了针对光面相纸(RC相纸)的照片黑和针对艺术纸张的粗面黑两种。针对不同介质设计的黑色墨水有效保证了输出作品的最大图像密度(Dmax)。我刚刚把2200从箱子中拿出来装好，便用它输出了第一张作品–一幅黑白照片。我最初以为这台打印机只能干干彩色活。随后我发现他的黑白输出效果远远超过了之前的所有爱普生打印机，话虽这么说，但是问题也依然有。世纪虹彩墨水在RC相纸上出现了两个非常大的问题：一个是低光谱差异(gloss differential，意指打印机输出作品在暗部区域表现出的偏色现象)，另一个是由树脂涂层包裹的微型颜料颗粒堆叠直接造成的烫色效应(bronzing，意指打印机输出作品在颜色相对集中处出现的类似金属反光现象)。2002年4月，Epson Stylus 2200打印机产品经理派克•普莱斯特德(Parker Plaisted)邀请我参加一场针对2200打印机黑白输出效果的调研座谈会议，会议为期两天，在参加会议前我们还体验了一把爱普生公司的测试版输出软件。

和我在长岛一起参加会议的有布鲁斯•弗雷泽(Bruce Fraser)、迈克尔•格来柯(Michael Greco)、道格拉斯•杜伯雷(Douglas Dubler)、埃里克•马格努森(Eric Magnuson)等人，另外还有来自美国和日本等地的爱普生工程师们。会上我们针对各自的样张讨论了现有技术的优缺点。尽管爱普生公司在会前展示的Gray Balancer软件保证了输出色彩的准确性，但是使用过于复杂，不够直观。我们建议他们最好不要在美国市场推出这款软件。爱普生美国公司接受了这一意见，Gray Balancer最终没有发行。这一决定让很多摄影师和摄影爱好者感到失望。在使用过这款软件之后，我相信如果爱普生真的推出了这款软件，那么他们的技术支持电话很可能被打爆。而且很可能这款软件的诞生会推迟目前广泛应用于爱普生新一代高端打印机中的高级黑白模式的研发工作。.

2002年起，我们开始在工作中部分使用爱普生打印机。我们费尽心思的为爱普生打印机挑选一些合适的介质，以期达到我们习惯的Iris打印机输出作品所能达到的效果。Iris打印机依旧在负责工作室的大部分彩色摄影作品和所有的黑白摄影作品。介质现在成为了爱普生打印机的软肋。爱普生打印机所使用的墨水中使用的一种原料–乙二醇，这是一种表面活化剂，用来保证墨水在墨头中的湿润以及微型颜料颗粒在墨水中的均匀分布–会造成过于明显的墨点。缓和这一问题的唯一方法是使用快干涂层介质。快干涂层可以迅速固定墨水中的颜料分子，避免墨点堆积，但是这又造成了另外一个问题–作品表面非常容易损伤。我们试验了很多不同的介质，大部分打印效果都不错，但是只有极少数介质可以保证画面还不至于脆弱到轻轻碰一下就被损坏的程度。就算是把作品装到无酸袋中这样简单的操作也可能给画面留下细小但不可接受的刮痕。2002年5月，爱普生公司给我们送来了几台全新的9600打印机，换下了我们之前使用的9500，我们开始选择合适9600的耗材，并且越来越多的使用这台机器输出我们的彩色作品。我们发现，尽管爱普生公司确实改进了其设备的黑白输出质量，但是在不同色温光照下其作品依旧偏色，而且也很难得到稳定一致的输出结果。Iris打印机依旧在继续他的使命。

2003年，我们购买了ImagePrint 5.0。这是一款适用于9600打印机的第三方RIP软件，使用它可以得到精美的黑白作品。它出好了可以保证输出作品的色彩绝对中性之外，也可以让我们根据需要为作品着色。接下来的一年中，我们又买了几台9600和两台7600，后者主要用来输出小样。Iris打印机开始被打入冷宫。2004年底，ImagePrint从5.0升级到了6.0，而Iris也走到了其技术生命的最后一天。Iris停止了生产，对现有机器的售后支持也变得越来越少。Iris的消亡已成定局，唯一剩下的只是时间问题。我们的客户对于爱普生机器输出的彩色作品和黑白作品都感到非常满意，从2005年1月1日开始，Nash Editions公司不再提供Iris输出业务。2005年8月12日，我们的第一台Iris打印机和相关设备正式列为史密森研究院(Smithsonian Institution)馆藏，隶属于”美国摄影史(History of American Photography)”收藏品。

2004年11月，我看到了一部分由爱普生测试驱动打印的黑白作品样张，很显然爱普生公司已经将黑白作品输出解决方案差不多集成到了底层驱动之中。终于在2005年1月，Epson Stylus Pro 9800测试样机送到了我们工作室，测试样机使用说明上特别注明，希望我们更多关注其高级黑白模式。新的打印机同时使用了全新的世纪虹彩K3墨水，这套全新的墨水中包括了三种不同的黑色墨水：黑、淡黑、淡淡黑。彩色墨水也使用了新的配方，色彩表现得到了进一步的增强。我们依旧选择了一幅黑白作品作为9800的第一幅测试样张。我对我通过高级黑白模式得到的第一幅输出作品印象非常深刻，以至于我做了一件我平常很少干的事情–我打印了一条灰阶，并且使用分光光度计逐一读数。我想看看是不是我的眼睛花了。结果告诉我，这台机器的黑白输出效果真的得到了极大的提高。不光是色彩更加纯正了，而且输出线性化也得到了极大的提高。即使在RGB模式下打印黑白照片，如果ICC文件选择得当同样也能够得到可以接受的效果。尽管我后来发现使用ImagePrint 6.0输出的结果在色彩表现上更加接近中性色，但9800凭借更为精确的输出线性化无可置疑成为了最终的胜利者。

除了技术上接二连三的突破之外，人们对于数码艺术的接受程度也变得越来越高。墨水的保存性越来越好、色域也越来越广；计算机和打印机的价格也变得越来越便宜、速度越来越快；随着可以选择的介质越来越丰富，数量空前的艺术家和摄影师步入了数字世界。安德烈斯•古尔斯基(Andreas Gursky)、洛丽塔•卢克斯(Loretta Lux)、理查德•普林斯(Richard Prince)、格哈特•里希特(Gerhard Richter)、米凯•鲁芙娜(Michal Rovner)、托马斯•鲁夫(Thomas Ruff)、托马斯•斯特鲁斯(Thomas Struth)是其中几个最主要，也是作品价格最高的艺术家，他们的作品是近年来美国几大博物馆的主要收藏目标。2004年，盖蒂博物馆第一次大批量收藏数字输出作品，那是一组30X30英寸的作品，来自洛杉矶摄影艺术家罗伯特•温加藤(Robert Weingarten)，共计十三幅，使用爱普生打印机打印在水彩纸上。而2005年，理查德•普林斯使用数码打印输出的作品《无名的牛仔》更是在克里斯蒂拍卖行拍卖会上卖到了124万8千美元的高价，这是摄影史上第一幅超过100万美元的作品。

人们开始不再那么关心这幅作品是怎么来的。画廊和博物馆开始接受数码艺术，而他们的委托人在对这一新的艺术形式更为了解后也开始慢慢适应这一转变。当我们对一件艺术作品的讨论开始基于这幅作品所代表的意义而不再踯躅于这幅作品是使用什么方式创作的，数码艺术才会绽放出更为耀眼的光彩。

作者：R. Mac Holbert (Nash Editions公司创始人)

开始的几年时光里面，我们在工作室接待了很多优秀的艺术家，每位艺术家都希望在我们这里探索新的艺术可能，而我们也从他们身上学到了很多东西。

佩德罗•梅耶尔(Pedro Meyer)是我们的第一个客户。佩德罗是我所见的第一个对于数码工具并没有产生不安情绪的摄影师。他把摄影当作了另一种绘画的工具看待。他使用相机拍摄照片，然后在Photoshop中将他们天衣无缝的合成在一起，创造一种全新而独特的现实。这种态度在当时无异于异端邪说，但是却和我一拍即合。我向来不愿意在那些唧唧歪歪自以为是的人身上浪费时间，他们总喜欢就什么是摄影什么不是念个不停。佩德罗的出现就好像是一缕清新的风。他的艺术灵感同时也感染和扩展了我们对于艺术的思路。我们时刻感激他在艺术道路上对我们的鼓励和与我们的分享。

大卫•霍克尼(David Hockney)也是我们早期的一位客户。1991年，他给我们寄来一张包含图像文件的软盘，希望我帮他打印一张作品。这是一张不到500K大小的JPEG图像。Iris有一项很特别的功能，可以制定每一个喷嘴接受的信息来源。一般情况下，青色喷嘴接受青色通道的信息，洋红喷嘴接受洋红通道的信息，以此类推。但是大卫要求我们打乱通道和喷嘴之间的对应关系然后输出。我们按照他的要求，使用不同的喷嘴顺序打印了一系列16 X 30英寸的作品。大卫对这一工艺很有兴趣，但是更让他感兴趣的还是他一直在使用的佳能激光打印机输出的明艳色彩。1994年的时候，大卫又重新找到我们，他带来了一套8 X 10的反转片，是在他的工作室中拍摄的绘画和雕塑等，他希望我们将这些反转片制作出来。当时对于数码艺术人们普遍是持怀疑态度的，其中一个主要原因就是保存性的问题，但是大卫对此并不介意。这套作品最后在Nash Editions打印制作成册，大卫在上面留下了这样一句话，”生活中的色彩总有一天会离我们远去，就犹如照片上的色彩终会消褪，色彩永远是所有画面中最容易褪去的部分。”

通过乔伊斯•涅曼斯(Joyce Neimanas)的丈夫罗伯特•哈尼肯(Robert Heinecken)我们认识了这位女艺术家。乔伊斯告诉我们，苹果公司赠给她一台当时最强大的图形工作站，于是我们打印了她完成的一部分作品。六个月之后，她带着一堆赛快活(Syquest，还有人记得这个玩意儿不？)的磁盘来到了我们的工作室，里面装着的那些拼贴作品是我所见过的所有作品中最棒的一部分。很明显她花了很多的时间去掌握这些数码工具，她的这些新作品几乎可以用完美无缺来形容。时至今日，她依旧在进行创作，而她的作品总能让我喜欢。

早在1994年，我就遇到了道格拉斯•科克兰(Douglas Kirkland)。道格很早就发现数码影像的出现将会带来一场巨大的风暴，并开始与我们合作扫描并重新输出他在二十世纪六十年代中使用伊卡塔克罗姆胶片(Ektachrome)拍摄的经典的玛丽莲梦露的作品。雅砌的重磅水彩纸让道格的那些经典作品焕发了新的活力。这么多年来，他和他的妻子一直是我们最活跃的合作伙伴。

在所有我有幸服务的艺术家中，最有趣的以为就是画家斯蒂芬•汉诺克(Stephen Hannock)先生了。斯蒂芬先生最早找到我是想请我帮他扫描并调整他的一些老照片。当他对于数码技术渐渐熟悉以后，他开始发现数码技术可以给他的大幅油画作品带来一些全新的可能。我们很快开始扫描他的一些作品，然后使用新帝(Cintiq)数码手写板在Photoshop中进行一些全新的尝试。当得到一个满意的效果以后，我们就使用艺术纸输出结果。接下来斯蒂芬就在这些实验作品的基础上，进一步使用画笔、粉彩等传统绘画工具加以润色。润色后的作品再重新扫描至电脑，等待进行新的尝试。

我从来没有机会为马奴埃尔•阿尔瓦雷兹•布拉沃(Manuel Alvarez Bravo)先生制作作品，但我却是他数码摄影的领路人。布拉沃先生的造访是由圣莫妮卡Rose画廊的Rose Shoshana安排的。布拉沃先生到了我们工作室以后，我首先向他展示了我们制作的两幅样张，一幅是黑白的，一幅是彩色的。他随后表示想要看看是什么样的机器制作的这些作品。我们让老先生在Iris打印机前坐下，然后使用打印机输出了一张我们正在处理的照片。他很耐心的等待了大约十五分钟，看着打印鼓在他面前一圈圈的转动，直到作品成型。我们把作品从打印机中取了出来交到老先生手中。老先生仔细的检查了手中的作品，用拐杖不停的敲打着地面，希望我们带他看看这些数字文件是如何处理的。当时布拉沃老先生已经年过九十，身体状况已经不大好了。我们扶着他走过一段卵石铺就的小道，爬了一串楼梯，最后来到了我们的图像处理室。他在显示器前坐下后，我开始给他演示Photoshop是如何使用的。他看到这一切非常的兴奋，开始和他的妻子谈起他1932年在墨西哥海滨城市蒙特雷拍摄的一张照片，照片中的海湾非常宁静，美中不足的是月亮被云遮住了一部分。他想知道我能不能用他之后作品中更为完整的月亮代替那张作品中被遮挡住的残月。我想他保证这非常容易做到。他兴奋的敲打着他的拐杖大声叫到，”这不是技术，这明明就是艺术！”我看着他点头，一语双关的大叫他的名字，”布拉沃！布拉沃！”他对此心领神会，明白我在叫好。技术并没有让他感到恐惧，而是让他看到了一种全新摄影观念诞生的可能性。

1993年的时候，我的一位老同学凯斯•慕斯卡特(Keith Muscutt)找到了我。凯斯是当时加州大学圣克鲁兹分校艺术系副主任，同时也主管学院的艺术品收藏，他想要我帮助他的一位朋友–前生活杂志(Life)摄影师霍勒斯•布里斯托(Horace Bristol)–解决一点问题。霍勒斯住在加州欧佳谷(Ojai Valley)，在家中保存了数千张摄影作品。这些作品大部分都已经开始恶化，他想要有人可以帮他维护他的所有收藏。我和格拉汉姆商量了一下，他拿出10000美元雇佣了一位学生来帮助整理、分类霍勒斯的底片和照片。在工作过程中，我开始渐渐认识了霍勒斯，非常欣赏他的作品。格拉汉姆和我都觉得，他的作品价值被大大低估了，我们和他商量，是不是让我们挑选他的一部分作品做一个小的作品集。

我们花了两天的时间从数千张作品中挑选了八张我们认为最能体现其拍摄风格的作品。霍勒斯找出了这些作品所对应的状态最好的版本。最后我们拿到手的既有原底片，也有复制底片，还有已经放大的照片。我们把这些作品扫描，并进行了初步的除尘处理之后，就把霍勒斯喊到了我们工作室，在屏幕前进行最后的校样工作。打开的第一张图片是一幅正在哺乳的妇女。我打开照片以后，问了问霍勒斯希望我做一些什么样子的处理。霍勒斯的一生都在给杂志拍摄照片。他把底片交给杂志社以后，很少有机会对自己作品的处理流程提什么意见，就更别提这样直接在作品制作前征求他意见的事情了。所以我这么问的时候，他只是回答道，”算了吧，我不想给大家添麻烦。”我告诉他，征求作者意见是我们的一个标准环节，而且作者本人的意见对我们非常重要。”那好吧，”他说，”其实我这么几年来一直都觉得这幅作品的中心应该是婴儿和他嘴里的乳房，背景中的那个膝盖太亮了一些，还有妈妈的手也是。”我压暗了霍勒斯提到的这些区域，然后转过头来看看他的反应。我惊讶的发现他的眼中有泪光在闪动。我马上问他是不是觉得有些不舒服，他回答到，”我很好，我只是觉得我一只脚都进了棺材这些工具才出现，实在是太晚了。”这段刻骨铭心的记忆时刻提醒着我，活到老学到老，永远不要抗拒新生事物。1997年，霍勒斯在医院病床上与世长辞，他合上双眼的时候，身边的笔记本还连在网上。